¿Quién es el pintor representativo del animismo?
Henri Matisse (1869-1954) es la figura más importante del movimiento animista. Él y Picasso son considerados los dos artistas más importantes de la pintura francesa del siglo XX. Matisse nació en Le Cadeau, un pequeño pueblo de Piccadilly. Su padre, un hombre de negocios, esperaba que su hijo se convirtiera en abogado, por lo que, después de terminar la escuela secundaria, Matisse ingresó a la facultad de derecho en París. Posteriormente regresó a su ciudad natal y trabajó como administrativo en un despacho de abogados. Si no hubiera sido hospitalizado por apendicitis en 1890, nunca habría pensado en convertirse en pintor. Su madre le trajo pinturas, pinceles y un manual para que aprendiera a pintar por sí mismo y pudiera permanecer en la cama del hospital durante el período de recuperación postoperatoria. Inesperadamente, estas cosas hicieron que Matisse se obsesionara con la pintura. Después de ser dado de alta del hospital, comenzó a tomar clases nocturnas en la clase de dibujo en la Escuela de Quentin de La Tour. Posteriormente, finalmente obtuvo el permiso de su padre para ir a París a estudiar pintura. Ingresó por primera vez en la Academia Juliana y estudió con el pintor clásico Bouguereau. En 1892 ingresó en la Academia de Bellas Artes de París. Después de su última visita, fue descubierto por el famoso pintor simbolista Moreau y lo incluyó en su estudio. Moreau fue el primer educador de arte moderno. Matisse nunca olvidará las enseñanzas de su maestro a lo largo de su vida. Años más tarde, la mención del nombre de Moreau le haría llorar. En 1898 expuso por primera vez sus obras en el Salón de la Asociación Nacional y logró el éxito. Sus primeras pinturas estuvieron influenciadas por Pissarro, Sineck, Cézanne, Gauguin y otros. Después de experimentar con varios estilos, finalmente estableció el suyo propio alrededor de 1905. Representa objetos a través de colores subjetivos en lugar de luces y sombras. Dijo: "Utilizo el color para expresar emociones en lugar de copiar la naturaleza. Utilizo los colores más puros". "Le gusta la pintura plana. Trata la pintura como decoración plana, pero debilita deliberadamente la profundidad de la imagen y el volumen del objeto. Al mismo tiempo, de acuerdo con sus necesidades emocionales, combina bloques de colores planos de alta pureza en la pintura. para formar una especie de La relación entre conflicto y contraste o equilibrio y armonía crea un ritmo musical. Sus pinturas tienen formas extremadamente simples, con líneas curvas y pinceladas relajadas y suaves. Sus pinturas a menudo transmiten una sensación de alegría y dan a las personas una sensación. de alegría El más salvaje de los pintores fauvistas fue Flamenco (1876-1958), que nació en París y pasó su infancia en un ambiente pobre de las afueras de París. Son músicos que tienen personalidad de artista gitano. No se toma en serio la educación de su hijo, pero la deja pasar. Esto hace que el flamenco desarrolle un interés civil sencillo y optimista desde temprana edad. Le gusta hacer senderismo o montar en bicicleta, jugar en el campo, asistir a fiestas deportivas... todo lo que esté en el campo. El mundo lo hace feliz. Su padre es de ascendencia norteña, y la mayoría de sus antepasados fueron marineros holandeses o agricultores flamencos. Heredó el físico fuerte de sus antepasados, así como su amor por la naturaleza y la bondad. intereses, que incluían no solo la música y la pintura, sino también escribir novelas y trabajar en el campo. Fue a Chater a la edad de 16 años y se ganó la vida andando en bicicleta y tocando el violín por temporadas. De regreso a París en vísperas de su servicio, conoció al pintor local Dylan en Chater y decidieron colaborar, por lo que compartieron una antigua taberna en Chater Island como estudio y establecieron la Escuela Saudita como una de las fuentes del brutalismo. Dylan escribió una vez al recordar esta interacción entre ellos: "Estuve inmerso en el color todo el día, y todo lo que hablé fueron palabras sobre el color... y el sol que hace que los colores cobren vida. "En ese momento, las pinturas de Van Gogh tuvieron un impacto importante en el pueblo flamenco. En la primavera de 1901, cuando vio una exposición retrospectiva de las obras de Van Gogh en la Galería Jonah, estaba tan emocionado que gritó: "Amo a Van Gogh. ¡Gogh más que mi padre!" "
Persiguió la libertad en la pintura. Desafió la tradición y se jactaba de no haber estado nunca en el Louvre. Dijo: "Visitar un museo empeorará tu carácter, al igual que tener una conversación cordial con un sacerdote". Te hace perder la sinceridad. "Cualquier restricción, regla, dogma lo enojaría. Odiaba cualquier cosa que restringiera la libertad. Dijo que trataba de "pintar desde el corazón y no preocuparse por el estilo". "Porque el instinto es la base del arte."
Al igual que Van Gogh, prefería los colores fuertes. Dijo: "Subo el brillo de todos los tonos y convierto todo lo que siento en un sonido orquestal sólido". Siempre apila colores brillantes sobre el lienzo, exprimidos directamente del tubo de pintura. Prefiere el color completamente naranja, a menudo haciendo eco de él con un rojo brillante y usando colores contrastantes (azul y verde) para mejorar su impacto visual.
Prefiere la pincelada gruesa y le gusta utilizar trazos arremolinados y líneas negras gruesas para delinear la estructura de los objetos.
La cantera del Sena es una obra brutalista típica del estilo flamenco. En el cuadro, el fuerte contraste entre el rojo brillante, el verde y el azul crea una atmósfera cálida y turbulenta. Esas ramas salvajes, como llamas, revoloteando y bailando en el aire, son particularmente llamativas. Los colores cálidos y las pinceladas danzantes hacen que la pintura parezca salvaje y turbulenta. Frente a este cuadro, es como si hubiera una música ruidosa en los oídos, que impide a las personas apreciar la armonía y la tranquilidad de la naturaleza. Casi todo en el cuadro hace sentir el carácter maníaco y violento del pintor. El flamenco dijo una vez: "La pintura es como una úlcera. Me chupa el mal. Si no tuviera un poco de talento para pintar, sería una muy mala persona... en una sociedad donde probablemente dejaría caer una bomba." - eso sería una sentencia de muerte para mí - Intento sublimar este impulso en expresión artística, expresándolo a través de la pintura. Exprimo pintura directamente de la lata de pintura sobre el lienzo. De esta manera, puedo usar mi destructividad. Instinto para crear un mundo perceptual, vivo y libre." (Maitreya Buddha, traducido por el fauvismo Li Changjun, Mainland China Bookstore Publishing House, Taiwán, págs. 70 y 71) Esto es similar al de los pintores expresionistas alemanes.
André Derain (1880-1954) fue un miembro importante de los pintores fauvistas. Nació en Chateau en una familia adinerada. Es inteligente, estudioso y ha recibido una educación rigurosa. Después de graduarse de la prestigiosa Escuela Secundaria Chaptal, su familia lo envió a la Escuela Politécnica Central para estudiar ingeniería. Entonces, de repente, decidió aprender a pintar. Se hizo amigo del flamenco, alquilaron un estudio en Chart y fundaron la famosa Escuela Chart. También fue a Corioux a pintar con Matisse, y fue allí donde desarrolló el estilo pictórico llamado "fauvista" que causó sensación y críticas en el Salón de Otoño.
En pintura, Dylan se diferencia del flamenco. No desdeñó la tradición, pero siempre tuvo debilidad por el arte en los museos. "Aunque estaba entusiasmado con los colores explosivos del fauvismo, lo que a menudo tenía en mente era un concepto más regular y clásico de la pintura tradicional". ("History of Modern Western Art", escrito por Arnason, Tianjin People Fine Arts Press, página 98). Debido a esto, más tarde se alejó del animismo y finalmente tomó el camino tradicional.
Durante el período animista, le gustaba la expresión de colores fuertes. Una vez dijo: "Los colores se han convertido en bombas. Están destinados a brillar. En frescura, cualquier cosa puede trascender la verdad ("The Concept of Modern Art", editado por Nicholas Stangos, Sichuan Fine Arts Publishing House, 1988, p. Page). 22), consideraba el color como el alma de la pintura y trataba de "escapar de la trampa de la copia" a través del color. Pero su estilo pictórico no es tan tosco como el flamenco, sino más relajado y refinado. Mientras que los flamencos preferían los colores cálidos, interesados en el contraste entre el bermellón o el amarillo cromo y el azul cobalto o el azul ultramar, Dylan favorecía las relaciones cromáticas sutiles y elegantes de los tonos fríos. En sus pinturas, a menudo se intercalan algo de púrpura y rosa oscuro con colores fríos de verde y azul, lo que resulta muy armonioso. Las líneas retorcidas y las pinceladas cortas e intermitentes son ligeras y suaves, revelando una sensación de refinamiento y elegancia.
La pintura de Derain de 1906 del río Támesis en Londres es la mejor obra de su estilo fauvista. El viaje a Londres le inspiró mucho. Los encantadores paisajes de Londres le hacían sentirse relajado y feliz, y aquellas "formas creadas al aire libre y llenas de luz solar" despertaron su fuerte deseo de expresar emociones a través del color. Sin embargo, las escenas bañadas por un sol brillante en sus pinturas no son borrosas como en las pinturas impresionistas. Sus contornos nítidos, llenos de brillo y colores brillantes e intensos son menos representaciones de escenas naturales que expresiones de sentimientos subjetivos. El Puente de Westminster es la obra representativa de su grupo de pinturas. En esta pintura, Dylan eligió una composición de ángulo alto y extendió una gran área de verde, amarillo, rojo y azul como colores principales. El fuerte contraste entre estos bloques de color hace que la imagen esté llena de ritmo y tensión. Las ramas de colores sólidos que serpentean a través de la superficie de grandes bloques de colores complementarios desempeñan un papel en la mediación de colores contrastantes. Toda la pintura es rica en color, tono brillante, forma simple y llena de vitalidad y poder en las pinceladas, lo que refleja las extraordinarias habilidades de Dylan en el manejo del color y la estructura de la imagen.
Raoul Dufy (1877-1953) fue un pintor que fue influenciado por Matisse y transformado en el fauvismo. Su estilo pictórico es fresco y luminoso, y está acostumbrado a utilizar un estilo de boceto, utilizando líneas finas y pinceladas, así como colores vivos y claros, para expresar imágenes vivas y alegres.
Duffy nació en Le Havre, una de las ciudades con más encanto de Francia.
Mi padre era contador de una pequeña empresa metalúrgica. Du Fei se graduó de la escuela secundaria a la edad de 14 años y trabajó como empleado en una empresa de su ciudad natal. Le gusta mucho pintar. A partir de 1892, a pesar de las objeciones de su padre, fue a la escuela de arte de la ciudad para estudiar por su cuenta todas las noches a las ocho de la mañana después del trabajo. En 1900 recibió una beca anual de 1.200 francos y vino a París para estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes. En 1901, eligió el Salón de los Artistas Franceses con una obra titulada "Anochecer en Le Havre". Inicialmente le fascinaron los estilos pictóricos impresionista y postimpresionista, siguiendo los estilos de Monet, Pissarro, Van Gogh y Cézanne. Más tarde, se dedicó a la búsqueda de la naturaleza animal con colores fuertes. Después de 1909, desarrolló su propio estilo de pintura único, a menudo aplicando colores brillantes y rápidos sobre un fondo blanco y luego delineando objetos con líneas simples. Sus pinturas son elegantes, delicadas, relajadas y alegres. Casi no hay nada feo en sus cuadros. Aunque sus técnicas de expresión tienden a ser realistas y concretas, están llenas de sentimiento oriental y significado decorativo.
En 1905, Dufy vio el óleo de Matisse "Lujo, tranquilidad, felicidad" y quedó profundamente impactado. Dijo: "Antes de esta pintura, entendía todos los principios de la pintura. Al ver la imaginación mágica reflejada en bocetos y colores, el realismo impresionista perdió su encanto para mí. Entonces, ya no adoraba el impresionismo, sino que le gustaba pintar". Experimentos de estilo fauvista. Usó colores brillantes y estilos decorativos para pintar esas animadas calles y escenas de baile, convirtiéndose en un miembro importante de los pintores fauvistas.
En 1906, Duffy pintó varios cuadros para representar las celebraciones del Día Nacional en su ciudad natal. Estas obras estaban motivadas no tanto por el patriotismo como por la búsqueda de una expresión artística. Le Havre es una de las calles llenas de banderas. Aquí, ve los bloques de colores de la bandera como una parte importante de la imagen. La bandera francesa, compuesta de franjas rojas, blancas y azules, no sólo realza el brillo y la atmósfera festiva de la escena callejera, sino que también produce patrones geométricos abstractos en la pantalla. En este cuadro, la bandera, que parece varias veces exagerada, ocupa una gran superficie; los personajes de abajo parecen muy cortos, formando un marcado contraste con la bandera; Duffy no tenía ningún interés en las ilusiones del antiguo realismo y aparentemente no sentía la necesidad de mostrar cómo se izaban las banderas en las casas de ambos lados. Las banderas parecen transparentes y podemos ver claramente dos figuras en la bandera en la esquina inferior izquierda. Sorprendentemente, aunque esta pintura utiliza grandes bloques de color fauvista, el efecto de color no tiene una calidez festiva, y lo mismo ocurre con el tono de toda la pintura. El blanco de la imagen no es realmente tan blanco, pero está debilitado por el gris claro, dando a toda la imagen una cierta sensación de solemnidad. Este formato es en realidad la experimentación del pintor con la composición geométrica en la superficie.
Entre las pinturas fauvistas, las pinturas de Luo son únicas por su atmósfera profunda y misteriosa y su estilo áspero y pesado. Georges Rouault (1871-1958) nació en París en el seno de una familia de carpinteros. A la edad de catorce años, fue aprendiz en un taller de pintura sobre vidrio, aprendiendo las técnicas de reparación de pinturas medievales sobre ventanas de vidrio, mientras asistía a clases nocturnas en la Escuela de Artes Decorativas de París. Fue admitido en la Academia de Bellas Artes en 1891 y pronto se convirtió en el alumno favorito del pintor simbolista Moreau. Después de la muerte de Moreau, fue director de un pequeño museo que exhibía el trabajo de Moreau. En pintura, inicialmente prefirió el estilo académico. Posteriormente, tras atravesar un período de crisis física y mental, optó por un estilo pictórico áspero y potente. En 1903 participó en la creación del Salón de Otoño y se convirtió en blanco de ataques de los académicos que al principio lo apreciaban. En su profundo pensamiento sobre cuestiones religiosas y sociales, Lu estableció su personalidad artística. Su preferencia por Van Gogh, Gauguin y Cézanne lo convirtió en compañero de viaje del fauvismo en 1905.
Las pinturas de ualabíes están llenas de pasión, amor y compasión, y están llenas de una atmósfera religiosa. Le apasiona representar el lado oscuro de la sociedad y expresa su maldición sobre la fealdad y la depravación a través de personajes. En este sentido, sus pinturas rivalizan con las de Goya y Daumier. Frecuentaba los tribunales de magistrados de París y observaba a aquellos que habían perdido el favor de Dios. En sus pinturas, prostitutas feas, gánsteres arrestados y jueces despiadados se convirtieron en imágenes comunes. Su estilo pictórico es simple, poderoso y amplio. En sus cuadros, los colores brillantes siempre están enmarcados por líneas gruesas, que recuerdan a las pinturas medievales sobre cristales de ventanas. A menudo utiliza líneas oscuras y gruesas para delinear rápidamente las imágenes y puede lograr tanto forma como espíritu con solo unos pocos trazos. Los contornos gruesos, las capas gruesas de color y los colores fuertes hacen que sus pinturas estén llenas de un fuerte sentido de poder y ritmo. De hecho, su obra no tiene nada en común con el fauvismo excepto una emoción apasionada y una técnica tosca.
A los ojos de mucha gente, se parece más a un expresionista como los pintores alemanes de la "Escuela Bridge" que a sus colegas fauvistas franceses.
Cristo en los barrios marginales es la obra maestra de la pintura al óleo de Lu. En este cuadro, muestra a Cristo en una escena callejera en ruinas. Vimos una luna llena flotando silenciosamente en el cielo nocturno, la luz de la luna brillando sobre el lugar donde vivían los pobres, las calles sucias que se extendían a lo lejos y las casas de barro en ruinas y las chimeneas al fondo. En esta noche silenciosa, Cristo está guiando lentamente hacia adelante a su pueblo caído. El artista no pintó la aureola en la cabeza que representa la identidad de Cristo Salvador. Para él, Cristo no necesitaba ser representado por una aureola. Usó algo completamente diferente a esa luz dorada falsa. A través de su fe y el amor y la compasión de su corazón, reconoció la divinidad trascendente de Cristo. Expresó que Cristo es la mayor esperanza para la humanidad que sufre. Aquí todos los misterios se nos transmiten a través del pincel del pintor, a través de las ardientes emociones que impregnan el lienzo y la pintura. La expresión de la pintura recuerda a la obra de Van Gogh y Gauguin, pero quizás más cercana al estilo de las pinturas medievales sobre ventanas de vidrio. Sin embargo, esos contornos negros ásperos, colores fuertes y pinceladas fuertes en realidad pertenecen al propio Roo.