——Robert Irvine, un artista de instalación estadounidense que cambió el espacio
Robert Irving trabajando en uno de los primeros dibujos lineales en su estudio, 1962 (? Marvin Silver, cortesía de Marvin Silver y Craig Krull Gallery) (Click Enlarge)
Comenzó su carrera como pintor en la década de 1950, pero en la década de 1960 se dedicó al arte de instalación y se convirtió en un pionero. Su trabajo ayudó a definir la estética y los conceptos del movimiento espacial y de luz de la costa oeste. Sus primeros trabajos utilizaron a menudo luz y gasa para transformar espacios de galerías y museos, pero a partir de 1975 también incorporó proyectos de paisaje a su práctica. Irwin ha concebido más de 55 proyectos específicos de sitio en instituciones como el Gator Center (1992-98), DIA: beacon (1999-2003) y la Fundación Chinati en Marfa, Texas (2001-16). El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles revisó por primera vez su obra en 1993. En 2008, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego exhibió otra pieza de su carrera que abarcó 50 años. Owen recibió una beca Guggenheim en 1976, una beca MacArthur en marzo de 1984 y fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras en 2007. Vive y trabaja en San Diego, California.
Robert Owen, "Sin título" (1969), pintura acrílica sobre acrílico moldeado, 53 1/4 pulgadas. diámetro. , vista de la instalación, Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington, DC (¿obra de arte? 2016 Robert Irving/Artists Rights Society [ARS], Nueva York, fotografía de Kathy Carver)
Punto de partida
Robert Irving nació en 1928 en Long Beach, California, hijo de Robert Irving y Goldie Underberg Irving. Después de servir en el ejército de los Estados Unidos de 1946 a 1947, se unió a varias instituciones de arte: el Otis Art Institute en Los Ángeles de 1948 a 1950, y el Jepson Art Institute de 1951 a 1952. Pasó los siguientes dos años viviendo en Europa y el norte de África. De 1957 a 1958 impartió clases en la Escuela de Arte Chouinard.
"Bands of Boston" (1962), "Bed of Roses" (parte) (1962) y "Untitled" (parte) (1962), en el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (art. ? 2016 Robert Irving/Artists Rights Society [ARS], Nueva York, Fotografía de Kathy Carver)
Trabajo
En 1977, Robert Irving escribió algo sobre sí mismo: "Comencé como pintor en medio de la nada casi sin problemas... Mi primer problema real tuvo que ver con la naturaleza desordenada de mi pintura... Utilicé mi pintura como un proceso paso a paso, cada vez que cada nueva serie de obras responde directamente a las preguntas planteadas por la serie anterior. Primero cuestiono el logo como significado, y luego lo cuestiono como enfoque; luego pienso en el marco como la tolerancia de la duda, y el borde como el principio y el final de lo que pienso. viendo... dada la posibilidad de que nada realmente trascienda su entorno... trato de responder directamente a lo bueno y lo malo de cada situación en la que me encuentro, en lugar de convertirla en un entorno nuevo o ideal, pero un participación directa en su naturaleza. ¿Cómo puede considerarse vacío un espacio cuando está lleno de acontecimientos reales y tangibles?” (Robert Owen, 1977) El arte de Robert Owen. Los conceptos se originan a partir de una serie de percepciones experienciales. Pensador abstracto e ilustrado, presentó por primera vez la experiencia como percepción o sentimiento. Concluyó que la conciencia o la sensación de reconocimiento ayuda a aclarar la percepción. Como "Sabemos cuán azul es el cielo, y mucho menos "el cielo" incluso antes de saber que es "azul".
"Robert Irving: Todas las reglas cambiarán" (¿obra de arte? 2016 Robert Irving/Artists Rights Society [ARS], Nueva York, fotografía de Kathy Carver) (haga clic para ampliar)
Más tarde explicó que el concepto de pensamiento abstracto ocurre en la mente a través del concepto de uno mismo. Luego se identifica la forma física y se comunica a la comunidad. Luego, se produce una composición objetiva, delineando normas de comportamiento y normas artísticas, volviéndose identificables. Luego, los límites y los axiomas introducen la lógica y el razonamiento, y se pueden tomar decisiones: de forma inductiva o deductiva. Sigue el formalismo, que justifica y convence las decisiones sobre los objetos percibidos. La investigación de Owen muestra: "Todas las ideas y valores provienen de la experiencia, pueden aislarse en cualquier momento y desarrollarse directamente sobre la base de la función y el uso, los cuales en realidad están relacionados con condiciones, es decir, nuestra existencia subjetiva y objetiva". La filosofía de Robert Irwin define su concepto de arte como una serie de exploraciones estéticas, oportunidades de innovación cultural, intercambios e interacciones con la sociedad y desarrollos históricos complejos.
En su obra maestra "Ver y olvidar el nombre de una cosa", Lawrence Weschler narra la juventud de Irving en el sur de California y su surgimiento como figura en el mundo del arte post-abstracto. Weschler describe la calidad fascinante y a menudo fascinante de estas obras en las notas de su libro:
6 x 6 Improvisaciones de Larry Bell, 2014
En mayo de 1980, Robert Irwin regresó a Market Street en Venice, California, donde mantuvo un estudio hasta 1970, cuando abandonó por completo el trabajo de estudio. Melinda Wyatt abrió una galería en el edificio junto a su antiguo espacio de trabajo e invitó a Owen a crear una instalación.
¿“Homenaje a la plaza” de Robert Irvine en Dia: Beacon, Dia Art Foundation, 1 de junio de 2015 a mayo de 2017
Limpió la gran sala rectangular, ajustó los tragaluces , pinta las paredes de blanco, luego golpea la pared que da a la calle y reemplázala con algodón liso blanco transparente y translúcido. La sala parece haber cambiado su apariencia respecto al día anterior: la gente viene y se sienta al otro lado de la calle y mira, a veces durante horas.
Debido a la naturaleza efímera o sutil de su trabajo, este libro no es solo una introducción sino también la forma principal para que muchos artistas y estudiantes de arte experimenten el trabajo de Robert Owen. En 2007, le dijo a Jolly Finkel del New York Times que la gente todavía le pedía autógrafos en sus conferencias. En ese artículo, el director de LACMA, Michael Govan, quien nombró a Irvine para "Design Our Dia: The Lighthouse Experience", dijo que creía que el libro "persuadió a más jóvenes a convertirse en artistas que a crear The Velvet Underground Band of Rock Musicians".
Similar al trabajo de Gabriel Dow pero sin ninguna conexión, esta es otra serie de cuerdas de colores suspendidas que parecen simular movimiento y reflejo. Absolutamente impactante y laborioso, me lo imagino.
Pintura
Los primeros trabajos de Irving comenzaron con la pintura. En 1959, pintó una serie de objetos de mano y expuso por segunda vez como expositor individual en la Galería Ferus de Los Ángeles. Al año siguiente, 1960, le pidieron que expusiera nuevamente en el Museo de Arte de Pasadena. En ese momento comenzó una serie de experimentos continuos. En 1962 comenzó a enseñar en la Universidad de California, Los Ángeles, y nuevamente expuso en la Fellows Gallery. Ese año comenzó sus dibujos lineales. Expuso su puntillismo en la Galería Ferus en 1964.
Robert Owen. Vista de la instalación de Sprüth Magers, Los Ángeles, del 23 de enero al 21 de abril de 2018. Gracias al artista y a Spruit Magers. Fotografía: Robert Wedemeyer.
Del año 1966 al 1967 comienza a pintar paneles de aluminio. Fue invitado como expositor individual en Pace Gallery de Nueva York. Del 65438 al 0968, comenzó a enseñar en la Universidad de California, Irvine.
Durante los dos años siguientes comenzó su trabajo utilizando un disco acrílico transparente con estructuras elevadas blancas fijadas a la pared e iluminadas por una lámpara. En 1970 comenzó a trabajar en "Los Pilares", una serie de columnas de acrílico transparente. Del 65438 al 0972, comenzó a estudiar las "escenas" y los "lugares" del suroeste de China.
Robert Owen. Vista de la instalación de Sprüth Magers, Los Ángeles, del 23 de enero al 21 de abril de 2018. Gracias al artista y a Spruit Magers. Fotografía: Robert Wedemeyer.
Ingeniería ligera
Irving utilizó por primera vez luces fluorescentes en la década de 1970. De 1998 a 2000, su instalación in situ Excursus: Tribute to Piazza 3, una meditación sobre el pintor Josef Albers y su exploración de las relaciones de color, se exhibió en Dia: Chelsea. Consta de 18 pequeñas habitaciones, separadas por estrechas paredes de gasa; la luz de cada habitación, cuyo valor depende de la distancia a la ventana, se ve realzada por cuatro bombillas fluorescentes dobles, blancas y de colores, cada una suspendida verticalmente en el centro de la pared. Se reinstaló en Dia:Beacon en 2015 y seguirá exhibiéndose en 2017. En una exposición de 2015 en la Pace Gallery de Nueva York, instaló filas de columnas de luces y cubrió diferentes lámparas con gel de colores para cambiar la difusión de la luz.
Robert Owen. Vista de la instalación de Sprüth Magers, Los Ángeles, del 23 de enero al 21 de abril de 2018. Gracias al artista y a Spruit Magers. Fotografía: Robert Wedemeyer.
Fijo
Desde 1968, Owen se ha centrado en el sitio en sí, creando instalaciones en habitaciones, jardines, parques, museos y diversos lugares urbanos. Particularmente influenciado por las pinturas de John McLaughlin, Irving y otros artistas de la luz y el espacio, sintió curiosidad por ampliar los límites entre el arte y la percepción. En la década de 1970, Robert Owen dejó su estudio, tanto al aire libre como en interiores mejorados, para dedicarse al arte de instalación y al espacio directamente relacionado con la luz: la base de la percepción visual. Estos dispositivos permiten a los artistas y espectadores participar en una exploración abierta, creando experiencias en constante cambio manipulando el entorno en lugar de conservar el alcance de una sola obra de arte. Otros artistas involucrados en el movimiento Luz y Espacio incluyen a John McCracken, James Turrell, Peter Alexander, Larry Bell, Craig Kaufman, Doug Wheeler, Maria Nordman y otros.
Luz y espacio, 2007
115 lámpara fluorescente
271 1/4 × 620 pulgadas
689 × 1574,8 cm
En 1970, el Museo de Arte Moderno invitó a Irving a crear una instalación. Aprovechando todo el espacio del proyecto, Irving colgó una tela de algodón blanca a 10 pies del suelo y revistió las paredes con alambre de acero inoxidable brillante. En 1971, el Walker Art Center encargó al artista la creación de Untitled (Tilted/Light/Volume) para la primera exposición del edificio diseñado por Edward Larrabee Barnes. Para Soft Wall, instalada en la Pace Gallery de Nueva York en 1974, Irving simplemente limpió y pintó una galería rectangular y colgó una rejilla de teatro blanca, delgada y translúcida frente a una de las paredes largas para crear un efecto. Una habitación vacía, una pared que parece perpetuamente desenfocada. La instalación permanente en la pared del pasillo de entrada de la Allen Memorial Art Gallery, Sin título (1980), es una réplica exacta de la profunda ventana de enfrente. A principios de la década de 1980, Irving fue invitado a colaborar como coartista en el diseño de la revitalización y mejoras del Aeropuerto Internacional de Miami. En 1997, renovó una sala con vista al Océano Pacífico en la sucursal de La Jolla del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego. Para celebrar su 125 aniversario, el Museo de Arte de Indianápolis encargó "Light and Space III" (2008) de Irving, convirtiéndose así en el primer museo estadounidense en tener una instalación interior permanente del artista.
Para esta pieza, Irving dispuso bombillas fluorescentes en un patrón de cuadrícula irregular en las paredes que rodean las escaleras mecánicas, con un marco de malla a cada lado; los visitantes del museo pasarán a través de ellas mientras suben y bajan entre los pisos. Trifecta (Trade Joe's Bar & Grill) es un elemento permanente de tres pisos en la sede de Swiss Re en Fort Wayne, Indiana, terminado en 2012.
1?2?3?4?, 1997
Apertura en ventana existente
115 × 320 × 221 pulgadas
292,1× 812,8×561,3 cm
A finales de 2013, se inauguró en el Tribunal Federal de San Diego una columna acrílica de Irving de 33 pies de altura. El artista colaboró con sus viejos amigos y colaboradores, el arquitecto Martin Poyler y el arquitecto paisajista Andrew Spurlock, en la plaza al aire libre del palacio de justicia. Esta columna acrílica de tres pisos fue construida hace décadas, pero debido a una serie de circunstancias imprevistas, nunca se le dio un hogar adecuado. Cuando la luz del sol pasa por el pasillo, refracta la luz y proyecta color. Los aspectos técnicos relacionados con la producción y los materiales de las columnas estuvieron a cargo de Jack Brogan, una figura central en la evolución de las tecnologías de la luz y el movimiento espacial. Brogan inventó el desafío y la técnica de pulir columnas hasta lograr la transparencia deseada, lo que sigue siendo un hito en el campo en la actualidad.
Prisma, 1971
Acrílico
143 7/10×5 9/10×5 9/10 pulgadas
365 × 15 × 15 cm
Para Lakma, Owen creó una instalación al aire libre de palmeras primitivas (Primal Palm Garden, 2008-2010) y una escultura interior con iluminación fluorescente de 36 pies de altura, Miracle Mile, 2013). brilla detrás de él las 24 horas del día.
Sin título, 1969
Pintura acrílica sobre resina acrílica colada
53 × 24 1/2 pulgadas
134,6 × 62,2 cm
La instalación de Irwin en Marfa, un edificio en forma de U con aproximadamente 65,438,00,000 pies cuadrados, se abrirá al público una vez finalizada y finalizada a principios de 2065. El dispositivo, ubicado en el antiguo edificio de un hospital militar, será la primera instalación importante en unirse a la Fundación Chinati desde 2004, y la primera que Irwin dedica a su trabajo.
Yellow Jacket, 2015
6 pies. Aguja única: 14 tubos y 6 pies. Aguja doble: 1 tubo, gel fluorescente de color
72 × 95 1/5 × 3 1/2 pulgadas
182,9 × 241,9 × 8,9 cm
Otros las instalaciones incluyen: Broken Light - Partial Muslin - Eye Level, Museo de Arte Moderno, Nueva York (1970-1971, Departmental Extension Form, Black Line Room, Whitney Museum, Nueva York (1977); s 48 Shadow Planes (1983); ingreso al Musée d'Art Moderne de la Ciudad (1994) y el Doble Diamante en el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, Francia (1997-1998);
Escultura/Configuración 2T 3L, 2018
Acrílico
119 × 36 × 32 pulgadas
302,3 × 91,4 × 81,3 cm
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Ingeniería paisajística
Después de desarrollar un estilo de experimentar el espacio, Owen recurrió a proyectos de paisaje, proyectando lo que había aprendido sobre líneas, colores y, lo más importante, luz en el entorno construido. Desde 1975, Irving ha concebido 55 proyectos de sitios web. 9 Space 9 Tree (1980-3) fue encargado originalmente por el Seattle Arts Council como techo del Edificio de Seguridad Pública en la década de 1980, fue reinventado en 2007 y está ubicado en el campus de la Universidad de Washington;
Thin Thread (1979) de Irving se realizó en Wellesley College en Massachusetts. Consiste en una línea de acero inoxidable que corre a lo largo de la cresta cubierta de hierba junto al lago, con algunos patrones en forma de hojas tallados en ella. Su obra de 1983 "Two Running Violets V", en la que dos mallas de alambre recubiertas de plástico pasan a través de violetas azules y están aseguradas con postes altos, es parte de la serie de obras de arte de Stewart en el campus de la Universidad de California en San Diego. Irving seleccionó pequeñas plantas del desierto y cactus para Sentinel Plaza (1990) en el centro de Pasadena. Posteriormente consultó el plan maestro de Dia:Beacon, en particular el diseño y paisajismo de los espacios exteriores, así como la arquitectura de la entrada y el diseño de las ventanas.
# 4x 8 pies. Cuatro pliegues, 2012
Color de reflejo de luces y sombras
96×17 1/4×4 1/4 pulgadas
243,8 × 43,8 × 10,8 cm
Posteriormente diseñó y desarrolló el Jardín Central del Getty Center de Los Ángeles, construido en 1997. En el jardín central, la idea de Owen de fusionar las relaciones experienciales con el entorno construido es clara. Esos elementos experienciales llenan el espacio. El proyecto ha recibido elogios de la crítica por su diseño y artesanía. El diseño de 134.000 pies cuadrados (12.400 metros cuadrados) presenta barrancos naturales y senderos bordeados de árboles que guían a los visitantes a través de las vistas, los sonidos y los olores. Eligió todo en el jardín para resaltar la interacción de luz, color y reflejo. La planificación comenzó en 1992 y es una parte importante del proyecto del Centro Getty. Desde que se inauguró el centro en 1997, los jardines del centro han seguido evolucionando junto con la flora. La famosa cita de Irving "Nunca cambies, nunca será lo mismo" está grabada en el suelo de la plaza para recordar a los visitantes la naturaleza caleidoscópica de este arte de vivir. Para consternación del artista, la escultura de Fernandéger de los años 50 fue colocada en la plaza del jardín.
Fabricado en Suiza, 2015
Gel de color fluorescente
72 × 95 3/10 × 3 1/2 pulgadas
183 × 242 × 9 cm
Irvine completó recientemente la segunda fase de la instalación original de Palm Garden en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 2007. Los jardines de palmeras están dispuestos en forma de "T" con un eje este-oeste en el medio. En los alrededores hay varios museos de arte contemporáneo y el Pabellón Resnick. El eje norte-sur termina con una cuadrícula de palmeras datileras como contrapunto a la instalación City Lights del artista Chris Burton. Irving había estado interesado durante mucho tiempo en cómo las palmeras del sur de California capturan y reflejan la luz; el diseño del Palm Garden le brindó la oportunidad de comprender tanto el fenómeno de las palmeras como el concepto cultural. En modernas jardineras de madera lisas se plantan diversas palmeras. Un contenedor escultórico se refiere a una base que tradicionalmente representa una obra de arte. El uso que hace Irving de las palmeras considera la conexión ubicua e icónica entre las palmeras y las imágenes de Los Ángeles.