¿Cuál es la diferencia entre Art Nouveau y Modernismo?
Una breve historia
El Art Nouveau fue un estilo de arte y diseño que se encontraba en la cúspide de la cultura popular a principios del siglo XX. En ese momento, simplemente se llamaba estilo moderno, al igual que se llamaba estilo rococó en ese momento. Por otro lado, la reunión de muchos grupos pequeños mejoró ligeramente el estilo de moda pretencioso de la época, constituyendo el preludio del modernismo del siglo XX. Estos incluyen el estilo juvenil alemán que lleva el nombre de la revista de moda Jugend; el Movimiento Separatista de Viena, donde artistas y diseñadores visionarios se separaron de las principales exposiciones de salón (que se celebran anualmente en París) para reunir a artistas del mismo estilo. de obras. En Italia, el escaparate de una tienda en Londres es un diseño moderno derivado del movimiento Arts and Crafts y devuelto a la naturaleza, denominado estilo Liberty. Abarca la apariencia comercial del Art Nouveau conservando al mismo tiempo un importante carácter italiano.
Las características más importantes de este estilo son las líneas dinámicas, onduladas y fluidas. Los elefantes son los que dan vida a las decoraciones tradicionales, pareciendo como si surgieran de plantas.
Como movimiento artístico, está estrechamente relacionado con los pintores prerrafaelitas y simbolistas, así como con figuras como Aubrey Beardsley. Alphonse Mukka, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt y Jan Tropp se pueden clasificar en más de un estilo. A diferencia de los pintores simbolistas, el Art Nouveau tenía en cualquier caso su propia imagen especial y, a diferencia de los prerrafaelitas conservadores, el Art Nouveau no evitó el uso de nuevos materiales, utilizando máquinas para crear apariencias y diseños abstractos puros.
La fabricación de vidrio permitió que este estilo encontrara un ámbito de expresión impresionante, como el trabajo de Louis Comfort Tiffany en Nueva York, Emile Guelleh y los hermanos Daum en Nancy, Francia.
El Art Nouveau evitó el historicismo ecléctico de la época victoriana en el estilo arquitectónico y el diseño de interiores. Reemplazar la decoración naturalista básica derivada de estilos históricos y altamente victorianos o del realismo mediante la selección de diseñadores Art Nouveau y la "modernización" de algunos elementos tomados de la estructura del estilo rococó (como llamas y texturas de conchas). El movimiento Art Nouveau defendió el uso de elementos naturales altamente programados como inspiración y recursos creativos, y expandió elementos "naturales" como algas, pasto, insectos, etc.
En consecuencia, comenzó a hacer un uso extensivo de formas orgánicas y curvas, especialmente flores o plantas. Los grabados en madera japoneses también inspiraron el movimiento Art Nouveau con sus curvas, patrones, espacios contrastantes y superficies planas. Desde entonces, en las obras de artistas de todo el mundo, podemos encontrar que algunas líneas y patrones curvos se han convertido en métodos comunes en la pintura. Un hecho importante es que el movimiento Art Nouveau no negó el papel de las máquinas como otros movimientos (como el Movimiento de Artes y Oficios), sino que aprovechó al máximo sus puntos fuertes. También se puede encontrar una calidad finamente elaborada en el estilo arquitectónico, basado en los materiales utilizados (principalmente vidrio y hierro).
Lo bueno del Art Nouveau es que consideraba el estilo completo. Esto significa que tiene una escala jerárquica en estilo arquitectónico, diseño de interiores, diseño de muebles y telas, utensilios y obras de arte, accesorios de iluminación y más.
El punto culminante del desarrollo del movimiento Art Nouveau fue la Exposición Universal celebrada en París en 1900. El estilo moderno tuvo éxito en todos los aspectos. Durante la siguiente década, el nuevo estilo se extendió rápidamente a través de los productos de masas más comunes, lo que provocó que el Art Nouveau fuera ignorado después de 1907 aproximadamente.
Al igual que el expresionismo, el cubismo, el surrealismo y el art déco, el Art Nouveau es considerado el pionero más innovador de los movimientos culturales del siglo XX.
Dos.
Principales Centros de Desarrollo
Ámsterdam (Países Bajos)
Alissan (Noruega)
Barcelona (España)
Berlín (Alemania)
p>Bruselas (Bélgica)
Chicago (EE.UU.)
Darmstadt (Alemania)
Glasgow (Escocia)
Londres (Reino Unido)
París, Francia
Múnich (Alemania)
Nancy (Francia)
Nueva York (EE.UU.)
Oslo (Noruega)
Praga (República Checa)
Riga (Letonia)
Viena (Austria)
En tercer lugar, artista
1, arquitectura
Auguste Endel
Antoni Gaudí
Vic Do Horta (Victor Horta)
Joseph Hofmann
Héctor Guimard
Charles Rona· McIntosh
Louis Sullivan (Louis Sullivan).
Otto Wagner.
2. Pintura
Alphonse María Mucha ()
Aubrey Aubrey Beardsley.
Gastón Gerard
Edward Edvard Munch.
Henri de Toulouse-Lautrec
Pierre Bonnard (Pierre)
3. Diseño de mobiliario
Carlo Bugatti.
Eugene Gaillard.
Louis Mayorel
Henry van de Velde (Henry van de Velde)
4 Instrumentos de vidrio
Dom Freire
Emile Galli
René Lalique
Louis Comfort ·Tiffany
5. Otras artes decorativas
C Ashby (Charles Ashby). )
Samuel Frijol.
William Ballare.
Jules Broufa (Jules Brunford)
Herman Aubrey (Herman Obrist)
Philip Wolfers.
6. Frescos y Mosaicos
Gustav Gustav Klimt.
7. Diseño de cartel
Alphonse Muka (Francia Muka Eiffins, 1860-1939)
Peter Behrens (1868 -1940, Alemania)
Gustav Klimt (Gustav Klimt, 1862-1918, Austria)
Koloman Morsel (Austria, Koloman Moser, 1878-1918)
Dudley Hardy (Reino Unido)
Van de Velde (Bélgica, Henry van der Velde, 1863 -1957)
Will Bradley (1868-1962, Estados Unidos)
Edward Benfield (1886-1926, Estados Unidos) )
Isismo moderno
Desde el siglo XX, también se denomina modernismo a varias escuelas de arte y corrientes de pensamiento que tienen características de vanguardia y divergen de la literatura y el arte tradicionales.
Desarrollo
Los orígenes del modernismo se remontan al impresionismo francés. De 1938 a 1980, los pintores postimpresionistas, neoimpresionistas y simbolistas franceses propusieron "el valor independiente del propio lenguaje artístico", "la pintura no debería estar al servicio de la naturaleza", "la pintura debería deshacerse de la dependencia de la literatura y la historia". , "porque conceptos como "arte por el arte" son la base teórica del sistema artístico modernista. Por eso, el pintor postimpresionista francés P. Cézanne persiguió algo en sus obras.
El estilo de pintura modernista más obvio apareció por primera vez en las obras de los pintores fauvistas franceses.
Un grupo de jóvenes pintores representados por H. Matisse expuso en el Salón de Otoño de París de 1905 una serie de obras con estilos salvajes, lenguaje artístico exagerado, deformación y expresividad, que fueron llamadas "Bestias", de ahí el nombre de "Brutalismo". En 1908, otro grupo de jóvenes pintores, representado por P. Picasso y G. Braque, introdujo el cubismo en Francia. Los principios del cubismo aparecieron por primera vez en el óleo de Picasso "Las señoritas de Aviñón". Esta pintura se considera como el punto de inflexión entre el arte tradicional y el arte moderno. El cubismo utilizó la relación estructural de los bloques para analizar los objetos y mostrar la belleza de la superposición y el entrelazado adecuados, que era el objetivo que perseguía el cubismo. Tanto el animismo como el cubismo se alimentaron de la escultura africana, y el lenguaje artístico se alejó de las reglas tradicionales, lo que marcó el comienzo del autoestablecimiento del modernismo. Al mismo tiempo, surgieron sociedades expresionistas como el Bridge Club organizado en Alemania en 1905 y el Young Knights Club establecido en 1909. Sus objetivos estéticos y actividades artísticas son similares a los del fauvismo francés, pero con un fuerte sabor nórdico y tradición nacional alemana. Si el expresionismo fue influenciado por la tecnología industrial y expresó la belleza estática de los objetos, entonces el futurismo, que surgió en Italia, fue estimulado por la tecnología industrial moderna y utilizó el método de descomposición de los objetos para expresar escenas y emociones en movimiento. También les gusta usar líneas y colores para representar una serie de formas superpuestas y capas continuas, e intentan usar líneas para representar la luz y el sonido.
Las ideas y movimientos antes mencionados, especialmente el futurismo, se reflejan en el campo de la escultura. El pintor y escultor futurista U. boccioni firmó un manifiesto sobre el arte de la escultura en abril de 1912 y aplicó principios futuristas a su obra, expresados como "formas continuas en el espacio" (1913).
La corriente artística modernista correspondiente también estuvo bastante activa en Rusia a principios del siglo XX. Además de algunas sociedades influenciadas por el cubismo y el futurismo, el constructivismo ruso hizo una contribución única al arte moderno al explorar cómo expresar la belleza industrial.
Las obras de arte abstracto aparecieron por primera vez alrededor de 1910. El pintor ruso W. Kandinsky, que participó en las actividades del Club de Jóvenes Caballeros de Alemania, fue el primero en dedicarse a la creación de arte abstracto. Utiliza la combinación y composición de puntos, líneas y superficies, y recurre al lenguaje expresivo de la música para transmitir pensamientos y emociones a través de la pintura. Sus obras "Espíritu en el arte" (1912) y "Puntos, líneas y superficies" (1923) sentaron las bases teóricas de la abstracción. Como practicante, trabaja principalmente en pinturas abstractas líricas, pero también explora la abstracción geométrica. El pintor ruso K.C. Malevic fundó hacia 1913 el suprematismo, que pertenece a la categoría de la abstracción geométrica. Los esfuerzos supremacistas en la composición plana son significativos a la hora de explorar el vacío, la vacuidad y la nada del arte. Fue el pintor holandés P. Mondrian quien fundó el de stijl (o neoplasticismo). A lo largo del siglo XX, la abstracción siguió básicamente el desarrollo de la abstracción lírica y la abstracción geométrica, pero cambió en varias etapas.
Las sociedades dadaístas surgieron en Zurich, Suiza, durante la Primera Guerra Mundial, y su influencia se extendió a países europeos y americanos. Hay sociedades de arte dadaísta en Francia y Alemania. Dadá estaba en contra de la guerra, la autoridad y la tradición, así como en contra del arte y todo lo demás. Como sociedad, está destinada a avanzar hacia un estado de abnegación. El nihilismo y el espíritu antitradicional de Dadá atraviesan todo el proceso de la literatura y el arte occidentales modernos. El uso del collage en pinturas planas y el uso de la contingencia y la contingencia en la creación artística son las contribuciones de Dadá al arte moderno.
La comunidad surrealista era diferente del dadaísmo. Fue necesaria una actitud constructiva hacia la creación artística para reemplazar la destrucción y los desafíos del dadaísmo. Se nutre ideológicamente directamente de la teoría del subconsciente de Freud y utiliza la teoría de Freud como ideología rectora de este movimiento artístico. Los artistas surrealistas se inspiraron en los niños, los pacientes mentales y los sueños, y se comprometieron a explorar los aspectos trascendentales de la experiencia humana. Intentaron romper con el concepto de realismo y combinarlo con la experiencia del instinto, el subconsciente y los sueños para lograr una realidad. Estado absoluto y surrealista.
Porque son un retrato de aspectos importantes de la sociedad occidental moderna y de la vida espiritual moderna.
La industria moderna, la ciencia y la tecnología han jugado un papel importante en el desarrollo del arte modernista. La psicología y la actitud de los artistas modernistas hacia la ciencia moderna y la civilización mecánica son complejas. En la práctica de algunos artistas (como el cubismo, el futurismo y el constructivismo), intentan reflejar este profundo cambio en la sociedad, mientras que en las obras de la mayoría de los artistas adoptan una actitud evasiva y distante hacia la civilización industrial. Están descontentos con la devaluación de la naturaleza humana y la apreciación de la maquinaria en la sociedad industrial. Pero esto no significa que la corriente principal del arte modernista sea contraria al proceso de la sociedad industrial. De hecho, la civilización industrial y tecnológica ha cambiado enormemente la faz de la sociedad moderna y ha promovido eficazmente los rápidos cambios espirituales en el arte moderno.
El arte modernista se alimentó inicialmente del arsenal de idealismo trascendental de Kant y, al mismo tiempo, estuvo fuertemente influenciado por el pensamiento filosófico moderno, especialmente Nietzsche, Freud, Bergson, Jung y Sargón. La teoría de Nietzsche no sólo promovió el movimiento expresionista en Alemania, sino que también tuvo un enorme impacto en todo el movimiento literario modernista. En particular, niega la autoridad, defiende la creatividad basada en la voluntad y el instinto humanos, desprecia la civilización de clase media y la moral hipócrita, defiende la inconsciencia y el instinto y mantiene una actitud pesimista hacia el futuro del mundo. Esto se refleja en las teorías y teorías. de diversas escuelas del modernismo se reflejan en la práctica. La teoría del subconsciente de Freud es el pilar teórico del movimiento surrealista, que cree que "el inconsciente es la existencia real del espíritu". Fue bajo la guía de la teoría de Freud que los artistas de escuelas como el surrealismo utilizaron diversos métodos para explorar las profundidades del mundo espiritual de las personas. Por un lado, abrieron nuevas áreas de expresión artística y, por otro, crearon. El lenguaje artístico tiende a ser absurdo y extraño. Muchas obras de la naturaleza crean un nuevo reino de absurdo y extrañeza.
Comparado con el arte tradicional basado en el realismo y la imitación, el arte modernista tiene características simbólicas, expresivas y abstractas. Muchas escuelas del modernismo afirman ser antitradicionales, pero en realidad es posible que hayan abandonado la tradición por completo. Lo que intenta negar y rechazar es la tradición realista con características académicas desde mediados del siglo XIX. Al abordar el patrimonio histórico, prestaron más atención al estudio del arte social primitivo, el arte egipcio y mesopotámico, el arte antiguo griego y el arte medieval europeo. Después del impresionismo, los artistas occidentales comenzaron a centrar su atención en el arte de China, Japón y la India. El lenguaje expresivo de la pintura y la artesanía, explorando la pincelada a mano alzada. Los artistas fauvistas y cubistas estaban en deuda directa con la escultura africana. Al mismo tiempo, el arte islámico de Oriente Medio y el patrimonio artístico de Oceanía son también objeto de investigación de los artistas modernos. El patrimonio artístico mencionado anteriormente en la historia de la humanidad ha proporcionado un alimento útil a los artistas modernistas.
En general, desde el siglo XX, el arte moderno occidental se ha adaptado a las necesidades de las personas en la sociedad moderna y ha creado una serie de obras que pueden incorporarse a la cultura humana clásica. Sin embargo, las teorías de todas las escuelas y tendencias de pensamiento son irreprochables, sin mencionar que las tendencias ideológicas de algunas de ellas son dignas de estudio. No es aconsejable elogiar ciegamente el arte modernista sin analizarlo, pero es aún más estúpido y triste tratar el modernismo como un flagelo y excluirlo e impedir que la gente entre en contacto con él y lo comprenda. La prosperidad y la actividad de la creación y la teoría artística china desde la década de 1980 no están ajenas a factores importantes como la promoción social y económica, sino también a la rica información proporcionada por la literatura y el arte extranjeros, incluido el modernismo occidental.