¿Cuáles son los tres representantes de la “edad de oro” del arte español de los siglos XVII y XVIII?

En el siglo XVII, el antiguo Imperio español se debilitó cada vez más y poco a poco se convirtió en un país de segunda clase. Como dijo Marx, "la libertad española desapareció con el ruido de las espadas, con el torrente de oro y con las llamas de la Inquisición". Fue en este contexto que muchos artistas aparecieron en España. primera mitad. Hay tres condiciones principales para la prosperidad del arte español: primero, la fuerte influencia de la literatura española en el arte, segundo, la existencia y desarrollo de fuerzas realistas en las escuelas de pintura nativas españolas, y tercero, la influencia del arte italiano de Caravaggio, que comenzó en la segunda mitad del siglo XVI, la literatura española comenzó a florecer antes que las bellas artes, y los mayores representantes literarios de esa época fueron Cervantes y el gran dramaturgo Vega. Vega dijo una vez que el arte debe reflejar los tiempos y lo que vemos en la vida. Los ejemplos de Cervantes y Vega son muy importantes. Sus obras inspiraron a las generaciones futuras a observar la vida real, reflejar los pasatiempos y pensamientos de las personas y esforzarse por expresar el espíritu nacional en sus obras. El estilo Bodegoña en el arte español se desarrolló bajo la guía de este espíritu. Las características del arte del "Siglo de Oro" español, además de lo señalado anteriormente, son que en los retratos, especialmente en los de gente de clase baja, los personajes pintados por los pintores suelen tener un temperamento especial: firmeza, frialdad, dignidad, perseverancia, lo cual es poco común en obras de otros países. La formación de esta fuerza y ​​temperamento está sin duda relacionada con los casi 800 años de lucha contra los moros. Precisamente por estas características el retrato español puede ser único en el mundo del arte mundial y tener un significado eterno. Hay tres representantes del "Siglo de Oro" del arte español: Rivera, Zurbarán y Velázquez.

1. Rivera y Subalán

J. de Rivera (1591-1652) nació en Valencia. Pasó con su padre en sus primeros años y posteriormente se estableció en Nápoles. Italia desde hace mucho tiempo. Influenciado tempranamente por el arte de Rafael, Miguel Ángel, Tiziano y especialmente Caravaggio, se convirtió en pintor de la corte del gobernador de Nápoles a partir de 1616. En su pintura temprana, El martirio de San Bartolomé (1630), podemos ver al artista alabando apasionadamente a su héroe ideal. Aunque la pintura representa el martirio, tiene poco sabor religioso. Las figuras de la imagen parecen ser pescadores de Nápoles. Parecían muy ocupados y parecían estar preparándose para hacerse a la mar. La secularización de los temas religiosos es una característica importante del arte de Caravaggio, y esta obra también lo es. Santa Inessa (1641) es también una de sus obras maestras. El tema está tomado de la leyenda religiosa. Representa la lucha de una niña de 14 años contra el paganismo, mostrando que preferiría desnudarse y ser humillada antes que cambiar de religión bajo la presión de una violación. Su imagen inquebrantable es tan impresionante como un monumento. Además de las pinturas religiosas, también creó una serie de retratos que demostraron más vívidamente las ideas estéticas simples y avanzadas del pintor, mostrando que la belleza y la sabiduría provienen de la clase baja. Su "Smiling Demo Concrete" (163) y "Diogenes" (163) son obras de este tipo. Aunque estas pinturas llevan el nombre de filósofos antiguos, los personajes que aparecen en ellas están completamente dibujados a imagen de vagabundos y campesinos españoles. Sus imágenes son reales, naturales, toscas y atrevidas. Este tipo de retratos campesinos eran raros en el pasado. Su Lisiado (1642) es también un muy buen retrato. En la imagen, el niño cojo tiene una leve sonrisa en su rostro. Parece haber tristeza, soledad y soledad escondidas detrás de la sonrisa. Llevaba una pequeña nota en la mano que decía: "¡Ten piedad de mí! Por el amor de Dios". El paisaje detrás de los personajes es tranquilo y hermoso, lleno de atmósfera y sol, y tiene un fuerte sabor local. Otras obras maestras de Rivera incluyen "El sueño de Jacob" (1639), "San Andrés" (1635), "María Magdalena" (1644-1647), "San Jerónimo" (1647). El arte de Rivera sufrió algunos cambios durante 1648, como resultado del fallido levantamiento popular liderado por Masagnono y la sangrienta represión por parte de la clase dominante. En una época de derramamiento de sangre, renunció a la corte y vivió recluido en las afueras de Nápoles. Veinte años después, volvió a retomar la pintura y entre sus obras posteriores se incluye "Los pastores vienen a adorar" (1650). Rivera fue atacado a menudo por algunos pintores académicos durante su vida. Algunas personas lo acusaron de vulgar y obsceno, llamándolo "ladrón" y "asesino". De hecho, fue aquí donde Rivera estuvo genial. Como Caravaggio, es un pintor que presenta la vida real de la sociedad a la gente sin blanquearla.

Otra importante escuela de pintura de la primera mitad del siglo XVII fue la Escuela de Sevilla, de la que Fasubalan fue uno de los importantes representantes.

F. De Zubalang (1598-1664, también traducido como Zubalang o Subalang) estudió arte con un artesano tallado en madera en sus primeros años. Posteriormente, los viejos Elinor y Bacheco tuvieron gran influencia en él en el arte. A diferencia de Ribera, la visión artística de Ribera estaba dirigida a la clase baja y su temperamento era rudo de monje, vivió una vida de ermitaño, su arte; Representa principalmente el mundo silencioso de los monjes. En sus inicios, Subalan pintó algunas pinturas basadas en leyendas religiosas, y estas obras tenían sabor a vida. Después de la década de 1930, su arte maduró y el "Martirio de San Lorenzo", creado en 1636, es excelente. La escena representa el martirio. Los santos serían quemados en la hoguera.

El hombre de mediana edad parecía muy tranquilo y sereno, como si se despidiera de la tierra. Los santos descritos por Subalan no se diferencian de la gente común y no hay ninguna atmósfera religiosa. Este mártir es tan auténtico como los monjes que lo rodean, con una expresión sencilla y natural. El fondo del cuadro es también el paisaje real de España, sin elementos imaginarios ni idealizados. El arte de Subalan siempre contiene poesía ordinaria y nunca hay una atmósfera dramática artificial. Sus pinturas "San Francisco en la tumba" (hacia 1640) y "El milagro de San Hugo en la mesa de la iglesia" (hacia 1633) también son obras de este tipo. La característica más importante de este tipo de pintura religiosa es que carece de atmósfera religiosa y no es misteriosa. También pintó varios retratos de santas, entre los que destacan Santa Magrida (1634-1635) y Santa Casellida (c. 1638-1642). En estas dos pinturas, la santa parece una persona común y corriente. Son como las damas de la sociedad sevillana. Mientras se disfrazan, parecen pasar corriendo junto a la gente y es difícil asociarlos con la religión. Una de sus últimas obras, "La infancia de la Virgen" (alrededor de 1660), es también una obra llena de interés por la vida. La pequeña Virgen sentada en un pequeño banco está inspirada en su pequeña hija. Subalan también creó una serie de retratos maravillosos, entre los cuales "Retrato de Iberez" (1629-1633) es una obra maestra. El personaje del cuadro, Yi Berez, es amigo del pintor. Fue monje y poeta. Este hombre de mediana edad tiene un rostro muy distintivo. A juzgar por su expresión facial, parecía estar de buen humor y una bata holgada difícilmente podía ocultar sus complejos pensamientos y sentimientos. Este retrato se diferencia significativamente de otro realizado por el artista, "Retrato de doctor en Derecho en la Universidad de Salamanca" (hacia 1635), que representa a un intelectual de corazón libre. Llevaba una túnica roja y parecía muy despreocupado. Subalan también fue un famoso pintor de bodegones. Sus bodegones son diferentes de los de la Escuela Menor holandesa. Sus obras reflejan la vida tranquila y sencilla de los monjes, sin el lujo que se encuentra en las obras holandesas. En "Naturaleza muerta con naranjas y limones" (1633), la gente es recibida por una tranquila habitación de monje con ventanas luminosas. Un rayo de sol cae suavemente sobre la mesa, iluminando los utensilios y las frutas sobre la mesa y exudando una sensación de seducción. color de la gente. Esta pintura expresa una especie de tranquilidad y belleza de la vida. La vida limitada de Subalan afectó su contacto y expresión más amplios en la sociedad. Después de la década de 1950, sus creaciones comenzaron a decaer. Sus obras posteriores tuvieron cada vez más tendencias religiosas y estéticas. "Tortura" fue creada en la década de 1960 y es una pintura con fuertes connotaciones religiosas. Pero en general, las pinturas de Subalan no son religiosas, sino que tienen una fuerte tendencia secular. Entre sus obras representativas se encuentran “La Pasión de San Pedro” (1629), “Jerusalén en la tierra de ciencia ficción de San Narens”, “Los pastores vienen a adorar” (163), “Embarazo inocente” (161), etc.

En segundo lugar, el pintor de la verdad Velas Guizhi

El maestro de la pintura española más famoso del siglo XVII fue D. r. D. S. Velhouez (1599-1660), que nació en A run- familia aristocrática de Sevilla. En el siglo XVII, Sevilla no sólo era un centro comercial, sino también un centro de difusión de ideas humanísticas. Cuando Verásquez tenía cuatro o cinco años, su padre lo envió al antiguo estudio local de Elena para estudiar pintura, y luego acudió al famoso pintor y teórico Bacheco para continuar sus estudios. Un factor más importante que contribuyó a la madurez del arte de Verasquevin fue la vida de clase baja en Sevilla. En aquella época era popular en Sevilla un estilo de "Portage" (caravaggionismo español). La palabra Portage incluía el significado de pequeños hoteles y restaurantes. Debido a que algunos teóricos clásicos despreciaban las pinturas de género que representaban la vida de la clase baja, burlonamente llamaban a esas obras pinturas de "Porter Gene". "Marinero" (alrededor de 1619) es una obra temprana típica del pintor, que muestra su exploración del carácter. Las personas que sostienen tazas en el cuadro son obviamente gente corriente de las calles de Sevilla.

Entre las pinturas de género creadas por Velázquez durante este periodo se encuentran “Desayuno” y “Músicos”. “Mujer mestiza”, “La anciana que hervía huevos” y otras obras.

En 1623 llegó a Madrid. Al poco de entrar en la corte, pintó un retrato del joven Felipe IV a caballo. Según consta, Felipe IV se alegró mucho al ver este cuadro, y ordenó que sólo Verásguez estuviera capacitado para pintar su retrato en el futuro, y lo nombró pintor de cámara. En los inicios de la creación madrileña, "Baco" (1621-1628, también conocida como "El Borracho") es una novela con un estilo local distintivo. En este cuadro, a excepción de la imagen embellecida de Dioniso, las demás imágenes de los vagabundos son muy reales y conmovedoras. "La Fragua de Vulcano" (1630) es una excelente obra realizada por el pintor mientras se encontraba en Italia. Los personajes de este cuadro van un paso más allá que Baco, el dios del vino, y son más vívidos y naturales. Del 65438 al 0629 viajó por primera vez a Italia y quedó profundamente impresionado por las obras de los maestros del Renacimiento, especialmente Tiziano. Tras su regreso de Italia en 1631, los colores de sus obras se hicieron más brillantes. Este nuevo color se puede ver en el cuadro La rendición de Breda (1634-1635).

Después de regresar de Italia, sus habilidades para el retrato maduraron. Los retratos de las décadas de 1930 y 1940 se pueden dividir básicamente en tres categorías: en primer lugar, retratos de palacio, en segundo lugar, retratos de familiares y amigos, y en tercer lugar, retratos de personas de clase baja.

En la primera categoría, creó retratos de figuras de la corte y de la clase alta, entre ellos La Fruge (c. 1644), Felipe IV a caballo y Olivarus a caballo (1634). Una estatua del rey Baltasar Carlos a caballo (c. 1635) y algunos retratos de cazadores de la corte. La característica más importante de sus retratos de estas élites es que nunca las blanquean ni las embellecen. No sabe halagar a la gente, por eso se le llama el pintor de la verdad. Aunque Velázquez no pintó muchos retratos de familiares y amigos, estas obras son completamente diferentes de los retratos de la corte. Son muy libres y suaves y parecen reales y amigables, como "Retrato de Ma Montañez" (1636), "Sosteniendo un abanico". "Mujer" (1648). Entre los retratos de Velázquez, los más distintivos y valiosos son los que muestran a las clases bajas, lo que es una prueba contundente de que el estilo del gen Borde no sólo se conservó, sino que también se desarrolló. Los personajes de este período eran más diversos. La representación psicológica de los personajes tiende a ser profunda y compleja. Los retratos de estas personas de clase baja no sólo son reales y vívidos, sino que también tienen las características de la sociedad y la época, y en ocasiones contienen crítica social. "Esopo" y "Menippe", creadas en la década de 1940, son obras de este tipo. Durante el período 1633-1648, Velázquez Guizi también creó una serie de obras confucianas y de bufones de la corte, entre ellas Eripo Podricolin (Retrato de Calabasas) (c. 1647) y Don Sebastián Demora. El principal énfasis del pintor en estas obras no son sus defectos físicos, sino su trágico destino. En 1649, Velázquez viajó por segunda vez a Italia, donde completó otro famoso retrato, "Retrato del Papa Inocencio X" (1650). En este retrato, el pintor no sólo mostró la ferocidad de este hombre. El lado astuto muestra el lado débil del hombre de 76 años. En la imagen, el tono rojo intenso expresa una atmósfera solemne religiosa única. La sotana blanca y el mantón rojo forman un atractivo contraste de tonos, y la pincelada es muy libre, mostrando las soberbias habilidades del artista. Cuando este retrato fue entregado al Papa, éste dijo con sorpresa e inquietud esta frase: "Es tan parecido". Una de las obras más importantes de Frascagüey en sus últimos años es "Muchacha textil" (1657), que representa dos allí. Son dos personas de diferentes clases: una es una doncella de palacio que admira tranquilamente el brocado; por otro lado, hay una trabajadora ocupada y cansada en la Real Fábrica de Tejidos de Madrid. Su comparación probablemente esté relacionada con su descontento en ese momento. En este cuadro canta un himno apasionado a los trabajadores textiles. En el período posterior, además de "La muchacha textil", Velásquez también escribió "Venus frente al espejo" (alrededor de 1650), "Gon'e" (1656), "Retrato de la princesa Margarita" y otras obras.

Al poco de regresar de Francia en 1660, el pintor enfermó gravemente y falleció en Madrid el 7 de agosto del mismo año.

A lo largo de su vida, Velázquez fue ordinario pero grandioso. Lo que es normal es que no haya tenido ninguna experiencia trascendental en su vida. La grandeza se refiere a su arte. Al igual que Caravaggio y Rembrandt, creó muchas obras extraordinarias y amplió el camino artístico del realismo en el siglo XVII. Su arte es democrático, nacional y crítico. Aunque era un pintor de la corte, no estaba obligado por la corte. Tiene la libertad de un artista.

Velázquez tuvo pocos alumnos, los más famosos de los cuales fueron J.B. Delmaso (hacia 1612-1667) y J. De Pareda (1616-1679). Marceau era alumno y yerno de Velázquez, y se le daban bien los retratos. Entre sus obras representativas se encuentran "La familia del pintor" y "Retrato de la reina Marianne". Paregia era asistente y asistente de Velásquez, y también era bueno pintando retratos.