¿Quiénes son los grandes artistas del mundo? Cinco son suficientes.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Leonardo Da Vinci es un símbolo de la sabiduría humana. Como un dios, tiene infinitos ideales, intenta recrear la belleza del mundo, medir su inmensidad y explicar sus misterios. Pero él sólo tiene vida y fuerza ordinarias. Su ambición es descubrirlo todo, estudiarlo todo y crearlo todo. Su vida fue un camino interminable lleno de sublimes obras inacabadas. Antes de morir, dijo con tristeza: "Nunca he terminado un solo trabajo en mi vida". Leonardo nació en el pequeño pueblo de Finch en las afueras de Florencia, por eso lo llamaron Finch. Cuando tenía 5 años, podía dibujar de memoria un retrato de su madre en la playa. También podía improvisar música y cantar consigo mismo, lo que asombró a todos los presentes. El padre Antonio, abogado, se dio cuenta de las habilidades pictóricas de su hijo y decidió enviarlo a estudiar al Estudio Rocchio del Consejo de Artistas Florentinos. Allí se educó no sólo en las artes de la pintura, la escultura y la arquitectura, sino también en otras ciencias. Finch estudió la relación entre la luz y la oscuridad en los huevos en el estudio de Rocchio y descubrió el método de pintura de gradientes de luz y oscuridad. Pasó seis años en el estudio de Verrocchio, convirtiéndose en un modelo con ideas científicas modernas y sabiduría humana. Finch no pudo expresar su talento en Florencia. Está decidido a llevar su arte y sabiduría al mundo real y brillar. A la edad de 31 años, escribió una carta a Ludovico Sforza, archiduque de Milán, en la que enumeraba sus diversos talentos. Finalmente, dijo que podría crear una estatua ecuestre del padre del Gran Duque, la estatua más grande jamás vista en el mundo. La estatua de cerámica del maestro que completó esta obra maestra a la edad de 41 años no se completó porque no había suficiente bronce para fundirla. Fue destruida durante la invasión francesa en 1499, de lo contrario sería una maravilla del mundo. La recompensa del Gran Duque por su genio y arduo trabajo no fueron monedas de oro, sino palabras de oro, lo que inquietó mucho a Finch. Para consolarlo, el Archiduque le pidió que pintara un cuadro para el refectorio del Templo de Graciela en Milán. Esta es la última cena. Si "La Última Cena" es el cuadro religioso más famoso del mundo, entonces la "Mona Lisa", pintada por Vinci cuando regresó a Florencia desde Milán a la edad de 51 años, es sin duda el retrato más famoso y grandioso del mundo. Estas dos obras de fama mundial han hecho que el nombre de Leonardo da Vinci sea inmortal en la historia. El lenguaje artístico único de Leonardo da Vinci es utilizar luces y sombras para crear una imagen plana tridimensional. Una vez dijo: "El mayor milagro de la pintura es hacer que una pintura plana parezca desigual". Utilizó el principio de cambio de luz de una esfera para ser pionero en el método de transferencia de luz y oscuridad (también conocido como método de gradiente de luz y oscuridad), que Es decir, la imagen pasa de claro a oscuro. La transición es continua, como el humo, sin límites evidentes. La Mona Lisa es un ejemplo de este método de pintura. Vasari creía que este tipo de pintura de luces y sombras era un punto de inflexión en el arte de la pintura. Fincher pasó su vida explorando el temperamento noble del arte y solo podía sentirse satisfecho con la creación de la belleza. En el siglo XV, la búsqueda y creación de ciencia, razón y belleza en Italia alcanzó su punto máximo gracias a Leonardo da Vinci. Pero el talento del maestro no fue valorado ni apreciado en sus últimos años, y la indiferencia del Papa lo entristeció. Cuando el rey Francisco I de Francia volvió a ocupar Milán en 1515, invitó al maestro a establecerse en Crucible, Francia, y postularse como pintor de la corte. El maestro murió en un país extranjero en 1519 a la edad de 67 años. Su alumno Francisco Muecki dijo: "La muerte de Finch es una pérdida para todos. El Creador no puede crear otra persona como él".

Mona Lisa (alrededor de 1503-1506) (pintura al óleo sobre madera 77 x 53 cm)

Se dice que hay tres tesoros en el famoso Museo del Louvre en Francia: uno es Afrodita de Milos; el segundo es la Victoria de Samos y el tercero es la Mona Lisa. Se desconoce quién escribió las dos primeras obras, pero "Mona Lisa" fue escrita por Leonardo da Vinci durante el Renacimiento italiano y es casi un nombre familiar. Los ojos mágicos y enfocados, las mejillas suaves y rojizas, los labios conmovedores y la sonrisa implícita y ambigua en "Mona Lisa" siempre dejan a la gente desconcertada...

Según los registros históricos, Mona Lisa era la esposa de Giocondo, un famoso banquero de Florencia en aquella época.

Para despertar sus sentimientos internos, Leonardo da Vinci invitó una vez a un pianista a tocar para ella y a un payaso a actuar para ella. Sin embargo, esta mujer bien informada, fría y racional no permitió que el artista consiguiera lo que quería plasmar, por lo que el artista tuvo que posponer la pintura de forma intermitente durante tres años. Un día, mientras la mujer rica estaba mirando los bocetos del artista, de repente encontró en ellos una imagen de patas de pato. Ella estaba muy desconcertada. El artista dijo que pintó esto para la investigación y el diseño de aviones, porque existen algunas similitudes entre el flujo de agua y el flujo de aire; la flotabilidad del agua y la flotabilidad atmosférica de los patos deslizándose en el agua y los pájaros volando en el aire; Aunque esquiar con patas de pato es simple, esconde algunos secretos del vuelo en avión. Cuando esta mujer fría y racional escuchó estas palabras, pensó que una vez que el diseño del avión fuera exitoso, los humanos podrían volar libremente en el aire... Inmediatamente se sorprendió y sonrió con sinceridad. Esta rara sonrisa del corazón fue capturada inmediatamente por Leonardo da Vinci y moldeada con éxito. De hecho, esta inolvidable "sonrisa" escrita por Leonardo da Vinci ya no es una expresión específica de la señora Giocondo, sino una sonrisa abstracta, universal y típica. Pertenece a la Mona Lisa, a Leonardo da Vinci, a algo sutil en nuestro. humanidad que todos compartimos. Quizás este sea el gran encanto de Mona Lisa. Obviamente, la "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci heredó la solemnidad, la elegancia, el equilibrio, la estabilidad y las normas de interpretación idealistas y racionales del clasicismo griego, pero rompió aún más las limitaciones de las características humanistas del arte clásico griego y proporcionó un arte posterior aún más movido; hacia expresiones verdaderas, objetivas, más profundas, más internas y más sutiles, dando ejemplo.

La Última Cena (ca. 1498) (fresco 460 x 880 cm)

En vísperas de celebrar la Pascua, Jesús y sus doce discípulos se sientan a la mesa y cenan. Celebrar la Pascua . Había trece personas en la mesa. Esta fue su última cena juntos.

En la mesa, Jesús de repente se sintió muy molesto. Les dijo a sus discípulos que uno de ellos lo traicionaría. Pero Jesús no dijo que era Judas y los discípulos no sabían quién traicionaría a Jesús.

La Última Cena del gran artista italiano Leonardo da Vinci es la más famosa de todas las obras sobre este tema. Pintó este cuadro directamente en la pared del refectorio de un monasterio de Milán. Los doce discípulos estaban sentados a la mesa, divididos en cuatro grupos. Jesús se sentó en medio de la mesa. Extendió las manos en un gesto triste, indicando que algunos de sus discípulos lo habían traicionado.

La mayoría de los discípulos saltaban de emoción, pero la imagen de Jesús estaba muy tranquila. Podemos ver su silueta clara contra la pared de ventanas del fondo. A través de la ventana podemos ver el tranquilo paisaje. El cielo azul es como el nimbo sobre la cabeza de Jesús.

En el grupo a la derecha de Jesús, vemos un rostro oscuro, inclinado hacia atrás, como escondiéndose de Jesús. Tenía los codos apoyados en la mesa del comedor y sostenía una billetera. Sabemos que es el traidor Judas.

La bolsa en la mano de Judas es un símbolo de él, recordándonos que él es quien guarda el dinero para Jesús y los demás discípulos. La bolsa contenía treinta monedas de plata como recompensa por vender a Jesús.

Aunque no tenga billetera, podemos identificar al malvado enemigo Judas en el cuadro de Leonardo da Vinci.

Junto a la silueta de Judas se encuentra San Pedro, y también podemos ver su cabeza plateada y sus manos blancas. Se inclinó hacia el joven St. John. Pedro sostenía en su mano derecha un cuchillo que colgaba de su cadera y, como por accidente, la punta del cuchillo apuntaba a la espalda de Judas. La cabeza de San Juan se inclinó hacia Pedro. De todos los discípulos, él era el favorito de Jesús. Juan estaba tan tranquilo como Jesús y había entendido las palabras de su maestro.

A la izquierda de Jesús está el pequeño Santiago. Intentó comprender las terribles palabras que escuchó, abrió las manos, gritó.

Mirando por encima del hombro de Jacob, vemos a Santo Tomás, Tomás confundido, cuya mirada escéptica se expresa a través de sus dedos erguidos.

Al otro lado de Santiago, San Felipe se inclina hacia Jesús y le pone las manos en el pecho, como diciendo: "Tú conoces mi corazón, y sabes que nunca te traicionaré". "Su rostro dolía de amor y devoción.

Los seis discípulos junto a Jesús son el centro de la historia.

Bartolomé y el viejo Jacob se inclinaron hacia ellos. El viejo Andrés que estaba a su lado no se puso de pie, pero quería escuchar, así que levantó la mano, como pidiendo silencio.

Quedan tres aprendices a la derecha. Estaban discutiendo lo que Jesús dijo y sus dedos apuntaban hacia el centro de la mesa.

Todo lo que vieron sucedió en esta obra maestra, pero cada vez que lo apreciamos, obtendremos un nuevo significado de los sentimientos y personajes de los discípulos.

Nuestra Señora de la Roca (c. 1503-1506) (retablo 189,5 x 119,5 cm) se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres.

Este cuadro fue un retablo realizado para una capilla de la Iglesia de San Francisco de Milán a petición de un grupo religioso. En este cuadro, la Virgen vive en el centro del cuadro. Sostiene al niño San Juan en su mano derecha y sienta al niño Jesús en su mano izquierda. Un ángel forma una composición triangular detrás de Jesús y se responden con gestos. El fondo es una cueva profunda, salpicada de flores y plantas, y la cueva está completamente expuesta. Aunque esta pintura tiene una temática tradicional, sus técnicas de expresión y disposición compositiva muestran el profundo nivel artístico de Leonardo da Vinci. La exquisita representación de personajes y fondos, el uso de pinceladas ahumadas, el realismo científico, la perspectiva y la restauración muestran que ha alcanzado un nuevo nivel en el tratamiento de la relación dialéctica entre realismo y procesamiento artístico. Esta pintura marca el comienzo del período creativo de Leonardo da Vinci.

Da Vinci y sus pinturas.

Mona Lisa. También conocida como LA GIOCONDA

La Última Cena

La Virgen y Santa Ana.

Mujer con el Mercado

Virgen de la Roca

Madre y Niño

Miguel Ángel (1475 ~ 1564)

Miguel Ángel

Escultor, pintor y arquitecto del Renacimiento italiano. Nació en Cabrise, cerca de Arezzo, el 6 de marzo de 1475 y murió en Roma el 8 de febrero de 1564. En sus primeros años trabajó como aprendiz en el taller del pintor florentino D. Girandayo. Posteriormente, debido a su afición a la escultura, se trasladó a trabajar a los Jardines de los Medici, donde se conservan las reliquias escultóricas más antiguas. Sus primeras obras son los relieves "La Virgen de la Escalera" y "La Batalla de Santor", creados en 65.438 07 años. Son simples y sólidas, tranquilas y solemnes, profundamente arraigadas en la esencia del estilo clásico, lo que indica que desde el principio persiguió la expresión del cuerpo humano en intenso movimiento.

Estatuas de Miguel Ángel

De 1494 a 1499, "La Diosa del Vino" y "El luto por Cristo" de Miguel Ángel fueron tan sobresalientes que todo el mundo del arte romano Es difícil creer que él escribió estas obras maestras. 1501 ~ 1505 Principalmente en Florencia en aquella época, la estatua de David, los frescos de Cassina y la Sagrada Familia son obras monumentales. Entre ellos, "David" tiene una altura neta de 4,1 metros y muestra la historia del joven héroe judío legendario David derrotando a su enemigo Goliat en una postura desnuda. El cuerpo de David es fuerte y majestuoso, lo que significa que es tan fuerte como el acero, lo que significa que puede resistir el poder y defender al pueblo de Florencia, lo cual tiene un significado político obvio. Originalmente se planeó colocar la pieza en la catedral como escultura decorativa, pero debido a su gran éxito, el gobierno decidió colocarla frente al ayuntamiento como símbolo de la ciudad. Posteriormente, para proteger la obra original, fue trasladada al Museo de Bellas Artes de Florencia. En 1505, Miguel Ángel fue invitado a Roma para diseñar y realizar esculturas para la tumba del Papa Julio II. Debido a varios cambios de planes, no pudo completar el trabajo de forma intermitente durante unos 40 años, lo que fue un gran arrepentimiento en su vida.

En 1508, Miguel Ángel aceptó el encargo del Papa y del gobierno de pintar murales en la pared superior de la Capilla Sixtina. Después de muchas luchas para completar este enorme proyecto, el Papa prometió no interferir en su trabajo. Tras conseguir plena libertad creativa, se dedicó a la creación con gran pasión. Todo el mural está enmarcado por una magnífica estructura arquitectónica. El techo de toda la sala rectangular está dividido en una parte central y una parte periférica, la parte central es la parte principal, y ambas están pintadas con historias y personajes religiosos.

En el centro hay 9 cuadros basados ​​en las historias desde el principio del mundo hasta el diluvio y el arca de la Biblia, rodeados por 12 profetas y profetas, Moisés, David, etc. Todas las pinturas cubren un área de más de 500 metros cuadrados y la mayoría de ellas crean 343 personajes gigantes. Durante el proceso de pintura que duró cuatro años, se negó a cooperar con sus asistentes y lo hizo todo él mismo. Se elogia mucho el trabajo duro. Tras su inauguración, el mural fue reconocido como una obra sin precedentes. El mundo del arte incluso considera que los numerosos personajes que creó son magníficos, vigorosos y de carácter fuerte como las creaciones artísticas más perfectas durante el apogeo del Renacimiento.

Pintura del techo de la Capilla Sixtina

Su diseño arquitectónico utilizó audazmente columnas clásicas y creó un nuevo estilo. Fue bueno para resaltar el sentido tridimensional de las estructuras de columnas y tuvo un gran impacto en ellas. La futura arquitectura barroca tiene un gran impacto.

En sus últimos años, Miguel Ángel no sólo fue responsable de la construcción de la Basílica de San Pedro, sino que también participó en el diseño arquitectónico del Palacio Farnese, Porta Pia y la Plaza del Capitolio. Entre ellas, la obra representativa es la gran cúpula diseñada para la sala de la Basílica de San Pedro. La base de esta gran cúpula está decorada en un estilo clásico, y los aleros están tallados con guirnaldas, dando a las personas una sensación tridimensional y rica, la forma y la curva de la cúpula en sí están llenas de vitalidad, que es un modelo suyo; Estilo artístico majestuoso y poderoso inherente al diseño arquitectónico, sentando una base sólida para el futuro. La construcción de techos en catedrales y edificios gubernamentales en Europa y América fue un ejemplo. Otras obras importantes incluyen el retablo "El Juicio Final" creado en sus últimos años y esculturas para la tumba del Papa Julio II, aunque la tumba aún no está terminada, muchas de las esculturas son sus obras más maduras, como "Moisés, el; Esclavo moribundo", y más tarde "Día y noche" y "Dan y Xi" fueron esculturas realizadas para las tumbas de la familia Medici.

Rafael

Rafael

Rafael (1483 ~ 1520) Rafael fue un pintor italiano. Nacido en Urbino el 6 de abril de 1483, fallecido en Roma el 6 de abril de 1520. Su nombre original era Raphael St. George. Estudió pintura con su padre (pintor de la corte del duque de Urbino) desde niño, y posteriormente se trasladó a la escuela de Perugino, donde inició su carrera en 1500. Las primeras obras de Rafael muestran un genio extraordinario. "Las bodas de la Virgen" fue pintada a la edad de 21 años, lo que no sólo demuestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y la creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la descripción del fondo y las imágenes dignas y elegantes de la Virgen María y su esposo José son poco comunes en las obras de pintores anteriores.

Residió en Florencia de 1504 a 1508, donde se recuperó e influyó por la política, el espíritu democrático y el pensamiento humanista. Al mismo tiempo, comprendió cuidadosamente las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura y aprendió de sus puntos fuertes. En particular, se dedicó a estudiar las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo heroico de Miguel Ángel, para que su belleza. Su estilo con un espíritu clásico único se hizo cada vez más maduro. Rápidamente logró grandes logros tan famosos como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Su serie de retratos de la Virgen María se diferencia de temas similares pintados por pintores medievales, todos los cuales encarnan ideas humanistas con calidez maternal y aptitud juvenil. Entre los más famosos se encuentran "Notre Dame de Oriole" (Galería de los Uffizi, Florencia), "Notre Dame on the Grass" (Kunsthistorisches Museum, Viena) y "Notre Dame in the Garden" (Museo del Louvre). De 1512 a 1513 pintó el óleo de gran formato "La Virgen Sixtina". Las figuras son de tamaño natural, y la composición triangular compuesta por la Virgen y los santos es solemne y equilibrada. La Virgen María y Jesús son fuertes y poderosos, mostrando la alegría y la grandeza del amor maternal. La otra, más alta, es la Virgen de Forino en forma de retablo, así como la Virgen de la Silla y la Virgen de Alba, creadas posteriormente, ambas obras perfectas suyas.

A partir de 1509, fue invitado por el Papa Julio II a pintar murales en el Palacio del Vaticano, entre los que destacan los murales de la Sala de las Firmas. Las pinturas repartidas por las paredes y el techo de la sala representan cuatro aspectos de la actividad espiritual humana: teología, filosofía, poética y derecho. Además de su estilo pictórico único, sus obras también prestan especial atención a la plena armonía entre la expresión pictórica y la decoración arquitectónica, dando a las personas un sentimiento rico y solemne.

Otras obras importantes de este período son: La Expulsión de Heliodoro del Templo y la Misa de Bolshina en el Salón de Eliodoro, El Incendio de Borgo en el Ministerio de Bomberos, Fanet "El Triunfo de Galatea" en Villa Cina. La forma de la imagen y el uso de la luz y el color en estas obras han alcanzado un nuevo nivel y son conocidas como la cima del arte mural antiguo y moderno. Rafael pintó la Virgen Sixtina a la edad de 23 años y sus retratos también lograron un gran éxito. . Tanto físico como espiritual, lleno de encanto. La mayoría de ellos adoptan una postura ligeramente de lado para ocultar el fondo, y en la imagen sólo destaca el comportamiento natural y amigable de los personajes. Entre sus obras representativas se encuentran "Imagen de Castiglione" e "Imagen de una mujer con velo". El primero describe a un erudito afable y conocedor, lo cual se muestra vívidamente. Este último representa a una niña cuya apariencia es similar a la imagen de la Virgen en las obras del autor, pero cuyo elegante vestido y su fuerte figura representan apropiadamente a la mujer en la vida. En la primavera de 1520 cayó gravemente enfermo y todavía pintaba la Transfiguración de Cristo. Aunque no se completó, las piezas creadas por él siguen siendo brillantes y magníficas, lo que indica que todavía estaba explorando, enriqueciendo y perfeccionando su propio estilo en el último momento de su vida.