¿Cuáles son los procesos de producción de animación?

Proceso de producción de animación tradicional

La producción de animación tradicional es un proceso que requiere mucho tiempo y dinero. Todas las animaciones comerciales tradicionales se producen en un ambiente de equipo. Si bien es un método de trabajo en equipo, su proceso de trabajo no es el mismo que el de una línea de montaje. Para que el proyecto avanzara rápidamente, muchos departamentos superpusieron sus cronogramas de producción. Para nosotros, entender la historia de la animación es tan importante como analizar el proceso de producción tradicional del estudio. Porque la posibilidad de utilizar eficazmente el poder de Flash depende de si las personas tienen una verdadera comprensión de sus raíces en la producción de animación tradicional.

Como todo proceso de producción de un producto, la animación comienza con una idea. La idea puede surgir dentro del estudio o de fuentes externas, como Shrek, que se basó en un popular libro infantil. La idea en sí se discute dentro del estudio y luego se entrega a un guionista para que escriba el guión. Antes y después de escribir el guión, la productora selecciona un director para el proyecto. El director supervisa todos los aspectos de la creación. Todo artista involucrado en la producción de animación deberá realizar la revisión de la obra junto con el director ***. El director suele dedicar una cierta cantidad de tiempo cada semana para revisar varias obras de arte mediante firmas escritas. Un buen director sabe cómo preguntar a sus subordinados y cómo aprovechar al máximo sus talentos.

Una vez escrito el guión, un grupo de artistas capaces comenzará el desarrollo visual. Los artistas que desarrollan imágenes suelen ser buenos componiendo y estilizando diferentes temas. Todos los empleados del Departamento de Desarrollo Visual crearán cuidadosamente un mundo lleno de fantasía para los personajes animados. Una vez que el departamento de preproducción ha terminado todo esto y el guión está ultimado, llega el momento de que el diseñador de personajes elabore la hoja de look. El propósito de esto es garantizar que una vez que comience la producción de animación, todos los artistas puedan dibujar de manera uniforme según la forma. La hoja de modelado suele incluir el tamaño y las proporciones del personaje, así como posturas y expresiones desde varios ángulos. Luego vino el personal que dibujó los guiones gráficos. Ser capaz de dibujar tan rápido como un dibujante es un requisito previo para convertirse en un artista de guiones gráficos. Independientemente del género, ser capaz de ceñirse al contexto es crucial, por lo que los artistas de guiones gráficos deben tener buenos conocimientos de anatomía, apreciación cinematográfica, extraordinarias habilidades de dibujo y una mente rápida. La Figura 1.5 es una serie de ilustraciones tomadas de guiones gráficos elaborados por Clifford Parrott de Banga U.E. 0?82003 Banga U.E. Studios, Autor: Clifford Parrott

Figura 1.5 Arte preliminar del guión gráfico

Lo que la gente necesita organizar en este momento es la animación. La demostración consiste en grabar la obra de arte en el guión gráfico con el factor de tiempo y luego agregarla a la cinta de video con diálogos y sonidos simples. En el proceso de realización de demos también se graban doblajes y efectos de sonido. Una vez que hayas modificado y ajustado la demostración, es hora de poner el audio real. El director iría al estudio con los talentosos actores de doblaje y la grabación final se dividiría en fotogramas y se marcaría en una hoja de exposición. Estas hojas de exposición, conocidas simplemente como hojas X, se utilizan para marcar el ritmo de la animación. La palabra "exposición" se utiliza porque en el pasado la gente la usaba para indicar el número de fotogramas a los que debía exponerse la obra de arte debajo de la cámara.

El siguiente paso es dibujar una composición aproximada de toda la escena. Un artista de composición es similar a un escenógrafo en una película, responsable del diseño de escenas y ambientes. Aunque su trabajo se realiza principalmente a lápiz, los compositores deben tener habilidades sobresalientes para dibujar dibujos en perspectiva, imágenes compuestas y diagramas arquitectónicos. Mientras esboza composiciones preliminares, el director observa estas composiciones y hojas X y comienza a desarrollar ideas sobre la cámara y el movimiento de los personajes.

En las primeras etapas de la creación de animación, un director de arte trabajará con el director para establecer el tono de la película en todos los aspectos. En una función animada, cada secuencia se muestra línea por línea como pequeñas miniaturas de colores. Con este enfoque, el director puede ver de un vistazo cómo se utilizan los tonos cálidos y fríos en el flujo de la historia. El director de arte supervisa la transición desde la composición final a lápiz hasta el arte de fondo. Aunque el dibujo de fondos ahora se realiza principalmente en software como Photoshop, los pintores de fondos aún necesitan dominar algunos métodos y habilidades de dibujo tradicionales. El clásico de 1999 "El gigante de hierro", dirigido por Brad Bird, fue una de las últimas películas animadas en utilizar técnicas tradicionales de dibujo de fondo. Al observar la película con atención, se puede apreciar cómo el diseñador de producción de la película, Alan Bodner, utilizó colores cálidos y fríos para agregar emociones sutiles a escenas específicas. La escena de lucha al final de la película es excelente en el uso del contraste de color.

Cuando todo el trabajo anterior esté encaminado, todos los artistas comenzarán a procesar los movimientos del personaje según las instrucciones del director. La asignación de escenas suele ser responsabilidad del animador principal. Después de marcar los períodos de tiempo de todas las escenas en hojas X y grabar el diálogo, es hora de que los animadores interpreten las emociones de los personajes y diseñen la trama.

Este es el momento en el que un buen animador se destaca, debe tener una buena comprensión de la historia, la emoción y la trama. Si bien aprecian verdaderamente la esencia de sus personajes, los animadores deben lograr una expresión adecuada en términos de peso, espacio, proporción y equilibrio en cada trazo que dibujan. 0?82003 Sandro Corsaro

La concepción inicial de la acción que tiene el animador suele ser relativamente tosca, y el elemento más crítico es capturar la esencia de la acción o emoción. El mundo que vemos en la televisión está muy alejado de la obra de arte original. Antes de centrarse en los detalles específicos de cada cuadro, los animadores primero deben encontrar formas de capturar cada gesto en movimiento. Este proceso de expresión precisa requiere mucha observación y atención a los detalles minuciosos. Estos dibujos preliminares luego se cronometran en un probador de lápiz, donde los animadores colocarán sus dibujos bajo una cámara de prueba de lápiz para ver si el tiempo es correcto. Ahora, con el lujo de los probadores de lápiz digitales, los animadores pueden ver las repeticiones de las pruebas de lápiz en segundos. Dentro del equipo de animación, existen varias divisiones de trabajo especializadas, incluidos artistas de limpieza, fotogramas clave e intermediarios. La animación final se colocará en una caja de sudor, donde el director revisará cada escena. El término "caja de sudor" proviene de los primeros días del estudio Disney, cuando Walt Disney reunía a sus empleados en una pequeña y abarrotada sala equipada con una antigua máquina de edición de imagen y sonido para revisar su trabajo. La habitación era increíblemente pequeña y no tenía aire acondicionado. Esa ansiedad se sumó a la tensión en la sala que llegó a ser conocida como la "caja de sudor", mientras Disney criticaba el trabajo de cada semana. En el mundo de la animación, la caja de sudor sigue siendo un dispositivo necesario, pero se ha transformado de una habitación de hormigón a un televisor. Como se mencionó anteriormente en este capítulo, dado que el 99% de la animación televisiva se produce con mano de obra barata extranjera, no hay tiempo de comunicación cara a cara entre directores y animadores. Lo que obtienen los fabricantes extranjeros es a qué deben prestar atención y su comprensión de la animación expresada en palabras. Este enfoque se ha convertido en una fuente de frustración constante para la producción de animación televisiva. Persisten las barreras culturales y lingüísticas, y los tiempos de entrega de las asignaciones en el extranjero son más largos que en el mercado interno debido a la distancia. A menudo pasan meses antes de que el director finalmente descubra que su petición no ha sido atendida, y en ese momento tiene que pasar por otra larga espera. Sólo después de pasar por giros y vueltas se puede completar la animación final.

Una vez aceptada la animación en la caja de sudor, se escaneará en la computadora, se combinará con el fondo digital y luego se coloreará. Los artistas digitales son responsables de rellenar colores y ajustar fondos. El trabajo de pintar a mano las celdas dura relativamente mucho tiempo. Antes de la llegada de la era digital, los artistas tenían que delinear cada obra de arte en una pieza de celuloide y luego colorearla cuidadosamente a mano. A continuación, el operador de cámara filma cuidadosamente la película en un enorme estudio de animación. Cada impresión de celuloide debía exponerse adecuadamente a la cámara. Cualquier pequeño error al mover la cámara requería volver a filmar manualmente toda la escena. Tampoco hay repetición instantánea durante todo el proceso. La película animada "Blancanieves" utilizó este método para producir más de 25.000 cels.

Una vez finalizado todo el sombreado, es hora de añadir sonidos. Como se muestra en la Figura 1.6, la aparición de nueva tecnología permite a las personas eliminar el uso de grandes plataformas de cámara Oxberry al realizar animaciones. En lugar de ello, la película se convierte en discos que se pueden colocar con sonido digital sincronizado. El trabajo completado se almacena en una cinta digital y luego se copia.