Mi tarea de arte. Ayuda.

En primer lugar, la pintura pasó de ser una representación objetiva de la naturaleza a una expresión espiritual subjetiva, lo que reflejaba el concepto estético independiente de la pintura impresionista. El impresionismo se opuso a la pintura tradicional clásica occidental en espíritu artístico y enfatizó la creación de formas artísticas de la nueva era; no dieron mucha importancia a la expresión temática de la realidad y sugirieron que la vida y las imágenes objetivas debían expresarse de forma natural y casual; arte tradicional Se centra en las funciones sociales y educativas del artista, se aparta de la trama y la estructura dramática de la expresión artística realista, excluye el contenido literario narrativo, se centra en el sentimiento de sí mismo y la expresión consciente del pintor de la situación real, y es bueno en reproducir y describir la situación real de manera intuitiva y objetiva. Las condiciones de vida y las formas de existencia transforman la pintura de una reproducción natural objetiva a una expresión espiritual subjetiva para satisfacer las necesidades estéticas de los ciudadanos emergentes y esforzarse por encarnar el concepto estético independiente de la pintura impresionista. El impresionismo no se opone a tomar a la naturaleza como maestra, pero enfatiza "no perder la primera impresión que sientes". Los impresionistas creían que la "memoria" y la "imaginación" podían "liberarse de las ataduras de la naturaleza". Cézanne también recordó a los pintores que "eviten las tendencias literarias" y excluyan el contenido literario narrativo de las pinturas. La sencillez y franqueza de "La campesina" de Pissarro y la expresión vívida y vívida de "Pastora" encarnan "tomar la naturaleza como maestra" y describen "la primera impresión que sentí". La devoción y la emoción de las carreras de caballos de Degas, el ocio y la libertad de montar a caballo y caminar, y la alegría y el éxtasis de los bailarines de ballet en el escenario se superponen con "memoria" e "imaginación" en un intento de "liberarse de los grilletes de la naturaleza." "El árbol torcido" de Cezanne es de mente abierta y salvaje, "El puente sobre el Manne" es tranquilo y puro, y "El pino gigante en los suburbios de Aix" es simple y de mente abierta, siguiendo la "lógica del color". Los pintores impresionistas abandonaron las tendencias artísticas tradicionales con su "función sociológica" y entraron en la vida social de la época con la "independencia de la pintura". Las destacadas pinturas de género de Manet, como "Coffee Concert Singer in the Café" y "The Tavern of Foley Baker", son obras representativas en este sentido. A pesar de su origen aristocrático, Lautrec expresó la realidad con ironía. La vida nocturna de la sociedad de clase alta de París en sus obras no tiene un gusto de vida elegante y noble, sino un mundo de depravación, inmundicia y engaño. El ruidoso carnaval de "Su baile en el Moulin Rouge" y la contemplación e impotencia de los personajes de "Clown Sayoko" son en realidad gemidos de dolor. Aquí también podemos entender que es imposible para el impresionismo revertir verdaderamente la "función sociológica" en el arte tradicional. Los impresionistas viven en una sociedad llena de contradicciones. Incluso si enfatizan repetidamente el concepto estético independiente de la pintura, no pueden dar un paso adelante. "Independencia" de las "funciones sociológicas".

El segundo es prestar atención a la integración de la luz, el color, la forma, el significado y la belleza en la pintura, que encarna las principales características de la combinación del arte y la óptica impresionista. Las pinturas impresionistas lograron avances en la expresión de la luz y el color. Buscaron forma en la luz y el color, elogiaron el significado y la belleza de la luz y el color y comprendieron la relación dialéctica entre la luz, el color, la forma, el significado y la belleza en el lenguaje de la pintura. , al introducir la luz del sol brillante y sombras sutiles en la pintura, la pintura se vuelve fresca, brillante y vibrante. En las pinturas impresionistas, la luz y el color son el lenguaje pictórico básico, elementos artísticos, melodías musicales que fluyen rápidamente y símbolos culturales que fluyen lentamente. La luz y el color son el punto de partida artístico de la forma, el significado y la belleza. La forma, el significado y la belleza se plasman, expresan y muestran en la luz y el color. La técnica de pintura más básica de los pintores impresionistas es explorar una forma eficaz de romper con el color "inherente" único y aparentemente inmutable del objeto. Intentan capturar el color instantáneo del objeto que aparece de forma natural en un momento específico; se ve afectado por ciertas condiciones ambientales, la distancia espacial y la influencia de otros objetos circundantes. Comenzaron pintando agua, describiendo vívidamente los colores reflejados en las olas del agua. Se extienden además a la expresión de luz y color desde los edificios hasta el cielo. La exploración impresionista de la luz y el color se benefició de los nuevos descubrimientos de los científicos sobre la naturaleza de la luz a principios del siglo XIX, lo que dio lugar a un salto cultural resultante de la combinación del arte y la ciencia. Monet pintó repetidamente la catedral de Rouen y los pajares en diferentes momentos precisamente para capturar la luz y el color del momento. En esta rara exposición, "Catedral de Rouen, puerta vista de frente, armonía del marrón" y "Catedral de Rouen, efecto de la luz del sol, de noche" se encuentran entre las más de 30 pinturas al óleo que Monet pintó para la iglesia Dos piezas. Mientras pintaba estos cuadros, escribió en una carta a su esposa que cada día descubría algo nuevo que nunca antes había visto, por lo que rápidamente lo compensaba, pero al mismo tiempo también perdía algo.

En tercer lugar, la yuxtaposición, superposición y colores complementarios de los colores primarios formaron un nuevo lenguaje pictórico impresionista.

Para expresar los cambios dinámicos de los objetos y los coloridos y extraños colores claros, los pintores impresionistas utilizaron el método de pequeñas pinceladas y yuxtaposición de tonos. Ya no hay colores asignados en la paleta, pero los tres colores primarios, rojo, amarillo y azul, se yuxtaponen y superponen de vez en cuando. El contraste complementario de rojo, verde, amarillo, violeta, azul y naranja crea una nueva armonía. Colores de fuerte impacto visual. La nueva técnica de "luz y color" del impresionismo formó un nuevo lenguaje pictórico, que es refrescante.

En cuarto lugar, "mover el caballete al aire libre" se convirtió en un método pictórico importante de los impresionistas. No se trata de un simple desplazamiento del lugar de la pintura, sino de un cambio en el método de pintura, que cambia el método tradicional de pintura occidental para dibujar el paisaje bajo el sol y capturar y representar los efectos sutiles del color de los objetos bajo el sol. A Renoir le gustaba dibujar a sus modelos al aire libre en los bosques para estudiar los reflejos verdes y los puntos brillantes de sus cuerpos y rostros. Renoir reveló el misterio de los colores florecientes y fluidos del fresco paisaje natural, y se dio cuenta de la belleza y armonía de los colores, la alegría y los cambios de la luz del sol, el ritmo y la sencillez de la naturaleza y la claridad y calidez de la vida. Por lo tanto, con la sombra debajo del paraguas y los colores visuales cristalinos en "John Doe Holding a Parasol", así como el encanto sincero de los colores no visuales en "Lee Doe", la primavera en la capital del verano es brillante y lleno de colores. "Pintar al sol" sentó las bases para el surgimiento y desarrollo de la pintura impresionista en términos de métodos pictóricos.

El quinto es cambiar la pintura occidental tradicional, aprender de varias escuelas de pintura y dejar atrás la trayectoria cultural del impresionismo que llamó a la puerta del arte moderno en el siglo XX. La corriente artística impresionista surgió junto con la pintura impresionista, y la pintura impresionista floreció con el surgimiento del pensamiento artístico impresionista. El auge del impresionismo radica en la transformación de la pintura tradicional occidental y el referente de diversas escuelas pictóricas de la primera mitad del siglo XIX, entre ellas el clasicismo, el romanticismo y el realismo. La rebelión de la pintura impresionista se manifestó de muchas maneras. El impresionismo rápidamente formó su propio estilo artístico, características pictóricas y estilo cultural. Si bien fue único en la segunda mitad del siglo XIX, también mostró las limitaciones de sus propias elecciones artísticas y orientaciones culturales, lo que condujo al caos y la división. En este proceso surgieron uno tras otro el impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo. Tras el declive del impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo, el cubismo y diversas artes abstractas racionales del siglo XX recibieron su impulso. El impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo abrieron las puertas al arte moderno en el siglo XX.

Retratos culturales de pintores impresionistas

Durante la evolución del impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo surgieron algunos pintores influyentes que, consciente o inconscientemente, siguieron los pasos del impresionismo. la bandera del impresionismo; aunque algunas personas no tienen la "conciencia de equipo" del impresionismo, sus obras revelan el estilo artístico del impresionismo. Aunque algunas personas participaron en las actividades artísticas del impresionismo temprano, su tendencia artística general se acercaba más al posimpresionismo o se convirtieron en representantes del posimpresionismo. Son 51 las obras seleccionadas para esta "Exposición de Pintura Impresionista Francesa", y más de 4 obras son de Manet, Monet, Pissarro, Sisley, Renoir, Degas y Cézanne. Manet fue el fundador del impresionismo. Fue pionero en un método de pintura basado en la vida cotidiana y escenas naturales, enfatizando la manipulación de bloques de color en la pintura sobre la función de descripción. Monet fue el iniciador, líder y firme practicante del movimiento pictórico impresionista y un elogiador de "la luz y el color". Pissarro fue el líder del puntillismo. El estilo pictórico de Sisley es relativamente estable entre los impresionistas. Renoir fue un pionero del impresionismo francés y sus primeras obras son verdaderos retratos del impresionismo típico, llenos de destellos de color y luz. Degas es considerado un maestro de las figuras humanas dinámicas. Cézanne es uno de los pintores posimpresionistas destacados y el padre de la pintura moderna. Sus obras e ideas tuvieron un impacto significativo en los conceptos estéticos y el desarrollo de los movimientos artísticos (especialmente el cubismo) de muchos artistas del siglo XX.

Los pintores impresionistas tienen un estilo y una personalidad propios, que además son distintivos y distintivos.

La primera es la crítica al pensamiento artístico. Las pinturas impresionistas son de naturaleza crítica y "rebelde". Fueron rechazadas por los salones ortodoxos. Debido al rechazo, fortalecieron su "rebeldía" y se embarcaron con más tenacidad en el camino de la exploración. En 1874, un grupo de jóvenes pintores, producto del rechazo del Salón ortodoxo, realizó su primera exposición bajo la apariencia del estudio del famoso fotógrafo parisino Nadar. En 1886, los impresionistas realizaron ocho exposiciones. Durante este período, la pintura impresionista se desarrolló con altibajos, y los pintores impresionistas se reunieron y se dispersaron. Sin embargo, en general, la crítica a las ideas artísticas impresionistas es cierta.

La segunda es la originalidad del sistema artístico.

Aunque los representantes del impresionismo aún mantuvieron la forma clásica de pintura y los conceptos estéticos generales, sacudieron los métodos de pintura tradicionales y aflojaron la cadena artística con una fuerte herencia en términos de conceptos estéticos, procesamiento de luz y color, construcción visual y gusto estético. un nuevo sistema artístico en otros aspectos.

El tercero es la exploración del espíritu artístico. Los pintores impresionistas siempre están en proceso de exploración, comenzando desde la exploración, desarrollándose en la exploración, uniéndose en la exploración, abriendo nuevas trayectorias artísticas en la exploración, chocando y rompiendo en la exploración, evolucionando desde el impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo vinieron y avanzó hacia el arte moderno del siglo XX.

En cuarto lugar está el predominio gradual de los tesoros artísticos. Las pinturas impresionistas tienen un proceso de ser aceptadas por el mundo. Cuando las obras de los impresionistas fueron rechazadas por los salones ortodoxos, sus obras fueron ignoradas e incluso las obras compradas tuvieron que ser devueltas. En julio de 1933, cuando "El pequeño artista" de Renoir se vendió por 170.000 francos en París, el Sr. Chang Shuhong escribió con emoción sobre la victoria de Renoir en París: "Se puede decir que Renoir y Monet son el equipo pionero del impresionismo. Dos de los artistas puros más singulares que trabajan para desafiar los tiempos... ¡Algunos dicen que Renoir ganó! Pero no olvidemos su lucha constante contra el odio y el ridículo, recompensa por la que murió en 1933. "Aquí, el proceso de transformación gradual de. ¡Los tesoros del arte han pasado por 14 años!

El quinto es el referente de las técnicas artísticas. Los impresionistas se inspiraron en las técnicas y la estética de los pintores de Barbizon y de los pintores ingleses. Sisley le dijo una vez al crítico Dolf Davigny: "¿Quién es mi pintor favorito? Si sólo menciono a mis contemporáneos, son Delacroix, Conner, Millet, Rousseau, Courbet, fueron nuestros maestros. Amaban la naturaleza y sentían su influencia con fuerza". La relación de los paisajistas de Barbizon con los impresionistas es evidente. Pissarro admitió: "Nuestro camino comienza con el gran pintor británico Turner..." Los pintores impresionistas también se nutrieron del arte chino, japonés y de otros países orientales. Van Gogh señaló: "Me atrevo a predecir que a otros pintores les gustará un color bajo la intensa luz del sol, como el color cristalino de la pintura japonesa". "El arte japonés... se ha arraigado entre los impresionistas franceses en 1870. Se convirtió en Monet". Se interesó por los grabados japoneses de Ukiyo-e en 1871 y comenzó a coleccionar grabados de Ukiyo-e en 1871.

2

El postimpresionismo es un fenómeno artístico que existió en las décadas de 1880 y 1890 después del impresionismo y no tiene significado estilístico. Estos artistas se diferencian de los impresionistas en su búsqueda fanática de la luz y el color externos, y de los neoimpresionistas en su análisis de la luz y el color y su uso del pensamiento lógico en la creación artística. Abogan por volver a enfatizar el concepto de forma en el arte, prestar atención a la personalidad subjetiva del autor, centrarse en expresar los sentimientos y emociones subjetivos del autor en las obras y centrarse en el poder expresivo de la forma. Los pintores comúnmente conocidos como postimpresionistas incluyen a Cézanne, Van Gogh y Gauguin.

El proceso de exploración y los logros de los pintores posimpresionistas tuvieron un impacto significativo en el género del arte moderno occidental en el siglo XX. Cézanne defendió que la pintura debería deshacerse de la literatura y la trama y dar rienda suelta al poder expresivo del lenguaje pictórico. Promovió la popularidad de los conceptos de pintura pura y el desarrollo de la pintura formalista en Europa. Es conocido como el "padre de la pintura moderna". " en Occidente. Sus obras se centran en la belleza conceptual, estructural y arquitectónica del cuadro. Su intensa investigación y su gran preocupación por la decencia dieron origen al cubismo. Las obras de Van Gogh contienen un profundo sentido de tragedia. Exploró audazmente, expresó libremente sus sentimientos internos, persiguió una personalidad fuerte y formas únicas, y se adelantó a su tiempo. El brutalismo posterior, el expresionismo alemán e incluso la abstracción lírica que surgió a principios del siglo XX se beneficiaron del arte de Van Gogh influenciado por los conceptos estéticos del simbolismo. Sus obras están llenas de elementos artísticos originales abstractos, misteriosos y simbólicos, combinados con su exquisito gusto artístico, formas de pintura plana y ricos efectos decorativos, formando características artísticas distintivas. Promovió el desarrollo del arte simbólico moderno y tuvo una profunda influencia en el surrealismo posterior.

Tres

Un movimiento y género en la historia del arte occidental moderno. También traducido como cubismo, comenzó en Francia en 1908. El nombre surgió por casualidad. 1908, g.bu.

Rucker expuso su obra en la Galería Carnivelle, y el crítico L. Pistons comentó en la revista Jill Brass: "El señor Braque lo restauró todo".

.... .Conviértete en un cubo ", de ahí el nombre de este estilo de pintura.

Los maestros del cubismo fueron Picasso y Braque. Se considera que el óleo de Picasso "Niña tocando la mandolina" (1910) contiene elementos del cubismo.

La aparición del método pictórico del cubismo pasó por un proceso de gestación. A principios del siglo XX, la pintura parisina estuvo muy activa. Después del postimpresionismo y el simbolismo, el arte joven

En la sociedad industrial que cambia rápidamente, los científicos generalmente están preocupados por cómo innovar formas para expresar las emociones internas y la psicología de las personas. Las nuevas escuelas están ubicadas en Francia, Alemania e Italia.

Rurus apareció uno tras otro. En Francia, tras el auge del brutalismo, otro grupo de escritores y artistas se reunía a menudo en la "lavandería móvil" de Montmartre. Asiste a Picasso o algo así.

Dick, M. Laurentson, G. Apollinaire, A. Salmon, M. Renard, J. Grice, F. Legg, etc. Fueron apoyados por el marchante de arte D.-H Kanweiler, que trabajó en 1907.

Se abrió una galería en París, que es lo que la gente llama la Sociedad Cubista. De Laurent y Glaize también participaron en actividades cubistas. Tomemos como ejemplo a Roewe en 1910.

En el centro se estableció una nueva sociedad cubista. Debido a sus frecuentes actividades en Puteaux, Francia, se llamó Grupo Puteaux. También colaboraron con Pi el pintor holandés P. Mondrian y el pintor mexicano J. de Rivera.

Afiliado a Trust Group. Dieron orden y reglas al cubismo analítico, promoviendo así el desarrollo del cubismo en una dirección más abstracta y subjetiva. Desde 1912.

Al principio, Picasso y otros realizaron experimentos integrales con el cubismo. Dentro de la estructura rota y transparente del cubismo analítico, todavía hay una fuerte sensación de luz y espacio.

El pintor concentra objetos observados en diferentes estados y diferentes puntos de vista en un plano para producir un efecto de experiencia global. El cubismo sintético ya no comienza con la disección y análisis de un determinado objeto, utilizamos una combinación de diferentes materiales para crear un nuevo tema e intentamos acercar al artista a lo mundano en la vida de verdad.

Aunque la Sociedad de la Sección Áurea, una rama del cubismo, continuó realizando exposiciones en 1920 y 1925, el cubismo como movimiento artístico perdió su vitalidad ya en 1914.

El cubismo es una escuela de arte llena de ideas. Persigue principalmente la belleza de las formas geométricas y la belleza producida por la disposición y combinación de formas. Niega la forma tradicional de observar y expresar las cosas desde el propio punto de vista y reduce las imágenes tridimensionales a imágenes planas y bidimensionales. Expresando luces y sombras, luz, aire y atmósfera.

El interés deja paso al interés y sentimiento de contornos y bloques formados por líneas rectas y curvas. No mires las cosas desde un solo punto de vista, utiliza diferentes puntos de vista para observar y razonar.

La solución toma forma en la imagen, mostrando así persistencia en el tiempo. Al hacerlo, es obvio que no nos basamos principalmente en la experiencia visual y el conocimiento perceptivo, sino que nos basamos principalmente en la razón, los conceptos y el pensamiento.

Bajo el lema antitradicional, el cubismo tenía una fuerte tendencia hacia el formalismo. Pero su exploración de las formas artísticas le ha dotado de artes y oficios modernos, artes decorativas, artes arquitectónicas, etc.

El campo del arte práctico que presta atención a la belleza formal tiene un gran efecto de promoción.

4 Leonardo da Vinci) - un destacado representante del Renacimiento italiano. Leonardo da Vinci es la figura más legendaria de la historia del arte occidental. Los logros y contribuciones de Leonardo da Vinci son multifacéticos. No sólo fue un artista talentoso sino también un científico y erudito.

Da Vinci ha hecho contribuciones destacadas a la humanidad en diversos campos, ya sea artículos de cuero, ropa, joyería, muebles, bicicletas, automóviles, aviones, submarinos, ingeniería militar, armas militares, anatomía y medicina. .Durante 500 años, la humanidad ha logrado los logros de hoy simplemente siguiendo los pasos de Leonardo da Vinci. Los países avanzados del mundo y los países asiáticos como Japón, Corea del Sur e Israel tienen instituciones de investigación dedicadas a Leonardo da Vinci. Hoy en día, algunas de sus ideas científicas han sido descubiertas, comprendidas y aplicadas una tras otra. Los hechos han demostrado que las ideas de Leonardo da Vinci siguen siendo atemporales hoy en día, y creo que sus teorías seguirán teniendo un profundo impacto en un país e incluso en el mundo entero en el futuro de la ciencia y los campos académicos.

Como interpretación moderna del arte clásico, la marca Leonardo da Vinci representa las tendencias de la moda, la excelencia, la nobleza y la calidad.

Italia, cuna del Renacimiento europeo, está llena de encanto poético con sus gloriosos poemas históricos. Con el desarrollo de la tecnología moderna, Da Vinci muestra a los consumidores un estilo de vida moderno: lo que Da Vinci significa para los consumidores es esta filosofía y conciencia empresarial, que es "Da Vinci B a C". La incansable búsqueda de Da Vinci por la calidad del producto y el servicio finalmente convirtió a Da Vinci en una famosa marca de moda.

El autorretrato de Da Vinci es llamado "cabeza de anciano" por los consumidores en China. De hecho, la verdadera "cabeza de viejo" es "Da Vinci". Sólo "Da Vinci" producido por el Grupo Internacional Leonardo da Vinci de Italia es una marca verdaderamente internacional. Asegúrate de que "Da Vinci" y la imagen de perfil sean auténticos.

Acontecimientos importantes de Da Vinci

El 15 de abril de 1452, nacieron Ser Piero da Vinci y Caterina en los suburbios de Vinci, Florencia, Italia. En 1465 entró en el estudio de Verrocchio y se convirtió en discípulo (entre 13 y 14 años).

En 1473, creó el "Edicto Imperial".

En 1476, fue acusado de amor homosexual con otros discípulos de Verrocchio. Como lo negó, finalmente fue liberado (a los 24 años). Pintó "Adorar a los Tres Sabios" en 1482 y regresó a Milán (30 años).

Aceptada por San Francisco en 1483, la catedral ordenó a la Virgen de la Roca (31 años).

1495 Comienza a pintar La Última Cena (43 años).

1502 ~ 03 Regresa a Florencia y comienza a pintar la Mona Lisa (50 años).

En 1516, por invitación del rey de Francia, se dirigió a Amboise, Francia (64 años).

Murió en Amboise, Francia, el 2 de mayo de 1519 (67 años).

En 1980, se estableció la Fundación Internacional Italiana Leonardo da Vinci en la pequeña ciudad de Fonsi, Florencia, Italia.

En 2000, la Oficina de Representación de Asia-Pacífico se estableció en Hong Kong y se actualizó a la Sede de Asia-Pacífico, predecesora de Leonardo da Vinci International Group Co., Ltd. en Italia.

De 2001 a 2004, la marca Da Vinci entró en el período de protección de la propiedad intelectual y decenas de marcas en China continental y Hong Kong estaban protegidas por ley.

En 2004, la marca DaVinci entró oficialmente en el mercado de Asia-Pacífico.

En 2005, la italiana Leonardo da Vinci International Group Co., Ltd. se estableció en Hong Kong.

En 2005, se estableció la oficina de representación de Guangzhou para ser responsable de la promoción del mercado de China continental.

En 2006, se invirtió y estableció Guangzhou Da Vinci Industrial Co., Ltd., y los artículos de cuero "Da Vinci" ingresaron oficialmente al mercado chino.

Mona Lisa. También conocida como LA GIOCONDA

La Última Cena

uomo vitruviano

五

Rembrandt (1606 ~ 1669) 1606 15 años 7 He Nació en Leiden y murió en Ámsterdam el 4 de octubre de 1669. Tiene una amplia gama de géneros pictóricos y es bueno en retratos, paisajes, pinturas de género, pinturas religiosas y pinturas históricas. Los autorretratos del período de Leiden (aproximadamente 1625 ~ 1631) utilizaron un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad, utilizando la luz para dar forma a los personajes, con ricas capas y dramatismo.

El lugar de Rembrandt en la historia de la pintura, no sólo en los Países Bajos, sino en toda Europa, rivaliza con el de los maestros del Renacimiento italiano. Representa al pueblo y al genio nacional del norte de Europa. Lo que crea el gran rostro de Rembrandt es una manera especial de expresar su alma especial: luz y oscuridad. Esta palabra, antiguamente utilizada para hablar de este pintor, tiene un significado especial. En otras palabras, la luz y la oscuridad de Rembrandt tienen funciones completamente diferentes a las de los escritores italianos del Renacimiento. El pintor y crítico francés del siglo XIX Fromentine lo llamó "insecto nocturno". Otros dicen que utiliza la oscuridad para representar la luz.

Hay dos obras maestras en "El Louvre", "La familia del carpintero" y "La cena de Emaús". Podemos utilizarlos para comprender la filosofía de Lenzing de "luz y oscuridad".

La obra "San Esteban apedreado" (Museo de Bellas Artes, Lyon, Tíbet) revela las actividades internas del personaje captando las expresiones faciales. Para crear personajes con características individuales, dedicó su vida a estudiar la fisonomía, y los resultados de sus exploraciones fueron una parte importante de sus técnicas pictóricas. Durante el Período de Amsterdam (1632 ~ 1648), se instaló en Amsterdam de 1632 a 1640, que fue la etapa madura de su creación.

La famosa obra "La lección de anatomía del profesor Tilp" (en la Sala de Exposiciones de Pintura Royal Morris de La Haya) rompe los rígidos procedimientos de la pintura de retratos grupales y maneja la composición y los personajes de manera vívida. Un gran número de pinturas religiosas de este período mostraban contenido secular y eran de estilo barroco. "La ceguera de Sansón", escrita en 1636, ha sido descrita por los críticos como equivalente a Lady Macbeth de Shakespeare debido a su expresión delicada y compleja. Obras maestras similares incluyen "El pintor y su esposa", "Autorretrato abrazando a Saskia" (Galería de Dresde), etc. De 1640 a 1648, las desgracias y torturas en su vida personal profundizaron su observación y comprensión de la sociedad, y su creación artística también entró en una etapa de profundización. La muerte de su hijo en 1642 le entristeció muchísimo, pero al principio no entendió la aparición de "La ronda de noche" (en el Rijksmuseum de Ámsterdam). Esta obra maestra épica de pintura de género y pintura histórica recuerda a la gente la lucha del pueblo holandés contra el dominio extranjero. Debido a que rompió aún más con los métodos de pintura tradicionales, no fue aceptado por los pintores y llegó a un punto muerto por un tiempo. Sus otras obras de este período, como "Night Watch", adoptaron una técnica de expresión más escénica y retrataron implícitamente a los personajes principales en la pantalla, por lo que no fueron tan populares entre la clase alta como lo fueron en la década de 1930. y la vida se volvió cada vez más difícil. En sus últimos años (1648 ~ 1669), la vida de Rembrandt fue difícil. Las propiedades de su familia fueron subastadas y no hubo muchos compradores para sus pinturas al óleo. Sólo encargó grabados con temas religiosos. Una de las obras, "Impresión de 100 monedas holandesas", lleva el nombre de su precio de venta. Durante este período, sus obras más famosas son los retratos de grupo que representan el complot del antiguo héroe holandés C. Sifelis para resistir la tiranía romana y los directores de la Asociación de Comerciantes de Nepal (en el Rijksmuseum de Ámsterdam). El primero tenía un espíritu conmemorativo, pero lamentablemente ahora sólo queda un fragmento, escondido en el Museo Nacional de Estocolmo. La última parte se convirtió en su obra inmortal porque mostraba la apariencia y los rasgos de carácter que varían de persona a persona. La desgracia familiar y una serie de torturas no destruyeron a este anciano testarudo. Siempre se adhirió a sus conceptos artísticos y métodos creativos hasta su muerte, y pintó cuadros famosos como "El regreso del hijo pródigo" y "Saúl y David". Según las estadísticas de los años 60, durante su vida tuvo 600 pinturas al óleo, 350 grabados y 1.500 bocetos. Después de los años 70 se hicieron nuevos descubrimientos.