¿Cuál es el concepto de "post-rocoquismo"?

Contenidos

Ideas de arte rococó

Escultura

Pintura

Moda y mobiliario

Construcción

Rococó es la transliteración del francés rococó. La palabra proviene del francés ro-caille (artesanía de conchas). Este estilo se caracteriza por las rocas y las conchas de almeja. Es un estilo artístico magnífico, delicado y complejo que combina el estilo barroco y el interés decorativo chino, y utiliza múltiples líneas S.

El arte barroco fue un período masculino, a pesar de su estricta etiqueta, orgullo formal y exageración. El período posterior, conocido como arte rococó, que comenzó alrededor de la muerte de Luis XIV en 1715, fue más refinado, más pretencioso, más rígido y, por tanto, más impotente. Se puede considerar que una de las características distintivas de este período fue la popularidad de la porcelana europea a principios del siglo XVIII. Originalmente, la gente comía con pesadas vajillas de plata y hacía enormes esculturas con piedras grandes, pero ahora usan porcelana frágil como vajilla y también hacen pequeñas y delicadas estatuas de porcelana, reflejando así el espíritu de este período romántico.

La autoridad absoluta de la monarquía y la Iglesia facilitó el desarrollo en el siglo XVII de aquellas formas dinámicas de expresión que los representantes del absolutismo necesitaban para la autoexpresión y la interpretación concreta de sus pretensiones de poder arbitrario. En el siglo XVIII, estas figuras de autoridad perdieron su prestigio, no sólo porque algunos aristócratas seculares y eclesiásticos quedaron completamente desacreditados intelectual y moralmente debido a su conducta disoluta, sino también porque las ciencias naturales y la filosofía desarrollaron el pensamiento racional y permitieron a la gente darse cuenta de las desventajas de el viejo sistema social. Este tipo de confianza en uno mismo optimista, basada en el pensamiento crítico, y la confianza ilimitada en las propias capacidades vinculada a él, conduce en última instancia a la elegancia del valor emocional personal. A la gente le gusta el lirismo idílico y relajado, la poesía de Anacreonte, y no las epopeyas heroicas que se ajustan a las obligaciones morales, el honor y la voluntad en las tragedias del siglo XVII, sino que prefieren la tipicidad verdadera y realista y la maravillosa comedia del estilo conversacional. .

Durante este periodo, las artes plásticas fueron fieles siervas de esta sociedad intelectual y moralmente liberada. Sin embargo, el arte rococó no es un estilo artístico único, creativo o completamente diferente del arte barroco, ya que tiene forma ovalada y hay dos óvalos más pequeños entre la Sala Central y la sala de la Fábrica Oeste. En resumen, en el interior de la iglesia se cruzan y penetran repetidamente la sala ovalada y la rotonda. Esta especie de "polifonía" se puede comparar con una fuga compuesta por Bach.

Madame Pompadour (1721 ~ 1764) fue la fundadora del estilo artístico rococó. No sólo participó en asuntos militares y diplomáticos, sino que también influyó en el estilo artístico de la época como "protectora" cultural. Madame Pompadour, cuyo nombre original era Jeanne Antoinette Poisson, nació en París en una familia de especuladores financieros. Más tarde se convirtió en la amante de Luis XV y fue nombrada marquesa. Bajo la iniciativa de Madame Pompadour, surgió el estilo artístico rococó, haciendo brillar el estilo escultórico que floreció en el siglo XVII bajo el Rey Sol, y fue tocado por las delicadas manos de esta dama en el siglo XVIII, lo que lo hizo lucir particularmente Especial. Suave y encantador.

El arte arquitectónico secular rococó se caracteriza por mansiones de estilo jardín de estructura ligera, que desplazan cada vez más a los magníficos edificios palaciegos de estilo barroco. Aquí, los individuos pueden desarrollarse libremente sin la interferencia de la jactanciosa sociedad cortesana. Por ejemplo, los nombres de Palacio Xiaoyao o Mansión Guanjing indican el carácter privado de estas mansiones. El Palacio Jardín del Príncipe Eugenio es un conjunto vibrante, que consta de siete edificios estilo pabellón dispuestos simétricamente, con un techo inclinado compuesto plegable que se despliega elegante y simétricamente desde el centro hasta las cúpulas de las cuatro torres de las esquinas (Figura 202). El salón principal de un solo piso con un frontón encima tiene casi la comodidad de la clase media, mientras que las dos amplias habitaciones de dos pisos muestran el lujo del propietario, pero no el orgullo de los príncipes y nobles. Entre torres y pabellones se encuentran dos edificios de una sola planta y de anchura moderada, cuyo esplendor confiere a todo el edificio el carácter de un castillo fortificado; en resumen, conceptos arquitectónicos dispares unidos en un elegante interior en contacto. Es esta configuración descuidada de grupos arquitectónicos de formas y estilos casi contradictorios la que encarna claramente el espíritu del arte rococó.

La sala de escaleras de la Oficina del Arzobispado de Würzburg deja una maravillosa impresión de la elegancia de la arquitectura del barroco tardío. Neumann desperdició mucho espacio aquí: diseñó dos pasillos de escaleras simétricos pero solo construyó uno.

Sin embargo, esto por sí solo es suficiente para darle a este magnífico espacio interior una atmósfera espectacular, y esta atmósfera se transmite a una serie de edificios como el vestíbulo principal, el salón del jardín y la sala de peregrinación (Figura 207). Las pinturas del techo pintadas por el veneciano Tiepolo en la Sala de la Escalera y la Sala de Peregrinación han llevado el encanto del arte arquitectónico a un nivel incomparable. El techo se transforma en una luz colorida gracias a un enorme cuadro de 600 metros cuadrados, como si brillara en la habitación desde el cielo vacío. El cielo está lleno de imágenes grotescas que oscurecen sutilmente los límites entre arquitectura y pintura (como perros parados sobre adornos horizontales que sobresalen). También se introducen rosetas de yeso en la pintura, y las figuras de la pintura utilizan las esculturas en sus manos para ocupar el espacio arquitectónico. Con esta técnica de ilusión óptica, la pintura, la escultura y el arte arquitectónico quedan completamente unificados.

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Concepto del arte rococó

1, significado y antecedentes

El arte rococó es un arte francés del siglo XVIII siglo El estilo artístico se originó a finales del período Luis XIV (1643 ~ 1715) y se hizo popular en el período Luis XV (1715 ~ 1774).

El siglo XVIII es considerado como la era de la "racionalidad" o la "Ilustración". Los filósofos cambiaron su trabajo de asumir la existencia de Dios a inferirlo todo basándose en experimentos y observaciones. Casi excluyeron la teología de la filosofía, eligieron la ruta secular y sus intereses pasaron de prestar atención a la educación aristocrática a buscar placeres frívolos. El estilo artístico, entre los músicos Mozart y Haydn, los escritores Pope, Addison y Voertaire, y los pintores Waldo y Consborough, recorre un * * * mismo tema, combinando racionalidad y buen gusto con facilidad, material claro y organizado unido. .

Luis XIV solía celebrar varios bailes en el Palacio de Versalles, torturando a los nobles con una etiqueta engorrosa y deberes sin sentido, y luego usaba magníficas decoraciones palaciegas para crear un ambiente relajado propicio para relaciones extramatrimoniales, para consumir la energía. de los nobles para que no tengan tiempo de planear una rebelión. Por lo tanto, el artista está autorizado a inventar una vida ideal de felicidad con el único propósito de crear una felicidad social pausada y, de hecho, perezosa.

El rococó se compara con el magnífico y solemne arte clásico de Luis XIV. Este cambio y el declive de la nobleza francesa estuvieron relacionados con el espíritu libre de investigación de la Ilustración (que casi reemplazó a las creencias religiosas) y la creciente prosperidad de la clase media.

El rococó también estuvo influenciado por el arte chino durante su formación, especialmente en el diseño de jardines, diseño de interiores, productos de seda, porcelana, lacas, etc. (por ejemplo, Pequeña porcelana china, Maier, Alemania, 1768). Debido a que el arte francés era el centro de Europa en ese momento, la influencia del arte rococó se extendió por toda Europa.

El estilo complejo del arte rococó es similar al estilo de la dinastía Qing en China, que es el mismo signo del fin de la historia feudal en China y Occidente.

2. Etimología y significado

Etimológicamente, la palabra rococó está relacionada con el francés rocaille (joyas rupestres). Ya en el siglo XVII, la palabra francesa rocaille se usaba a menudo para referirse a una cueva (también existe la teoría de que el diseño de rocalla chino se introdujo en Italia durante el Renacimiento), y travail de rocaille (artesanía en roca) es la misma. como trabajo de parto. Rococó se refiere a un estilo artístico popular en decoración de interiores, arquitectura, pintura, escultura, muebles, cerámica, teñido y tejido, vestimenta, etc.

Otra interpretación del rococó apareció por primera vez en el diccionario de la Academia Francesa, donde se refiere a "las extrañas decoraciones, estilos y diseños desde Luis XIV hasta principios de Luis XV". Algunas personas asocian el "rococó" con el "barroco" italiano y consideran este "extraño" estilo rococó como la etapa tardía del estilo barroco, es decir, la etapa de desintegración y decadencia del barroco.

3. Características del arte rococó.

① Las curvas son interesantes y las curvas en forma de C, S y de remolino se utilizan comúnmente como efectos decorativos.

②La composición es asimétrica, pero tiene una sensación de movimiento ligera y elegante.

(3) Los colores son suaves y hermosos.

4 Defensor de la naturaleza.

⑤La broma y la elegancia de los personajes expresan diferentes tipos de amor como el amor romántico, el sexo, el amor maternal, etc.

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Escultura

Se desprende claramente del ejemplo de Würzburg que en el período del Barroco tardío, la distinción entre arquitectura y escultura no era Fácil, porque la escultura juega un papel decorativo, unificándola dentro del ámbito global de la obra de arte arquitectónica, y en ocasiones juega a su vez el papel de dar significado estético al edificio, como en el caso de la Iglesia de la Abadía del Castillo de Wilton (Fig. 208). En este caso, el plan arquitectónico era colocar el altar de San Jorge "en la luz adecuada". Por este motivo, el arquitecto cosmi Damian Assam sólo permitió una iluminación tenue en la sala de reuniones y cubrió el altar con una enorme superestructura, manteniendo así a la congregación en una misteriosa oscuridad. Sin embargo, abrió una gran ventana en el salón detrás del altar, permitiendo que la luz intensa entrara a través de la ventana hacia la nave. Su hermano Egid Quilin Assam colocó la estatua ecuestre de San Jorge en el centro de esta brillante fuente de luz, dándole a la estatua un brillo extraordinario indirectamente desde atrás. El santo es como una visión extraordinaria sobre el altar, rodeado de luz divina, trayendo salvación y luz al mundo en la oscuridad. Un evento religioso se convirtió aquí en una representación teatral animada, como en los teatros de la época, ya que en el teatro también se representaba una obra que contaba una historia extraordinaria.

Las características dramáticas de la escultura del Barroco tardío también se pueden comprobar a partir de los materiales utilizados en aquella época. Como todo está encaminado a lograr efectos sensuales y una primera impresión deslumbrante, no se utiliza arenisca o mármol, sino materiales menos texturizados como el yeso de mármol (mezcla de arenisca y yeso coloreados molidos, luego vertidos y pulidos), o madera, y luego pintar una capa. de color piedra simulada sobre la madera. Este tipo de estatua no se puede mirar con atención, lo que significa que tiene un cierto efecto cegador, al igual que el paisaje del escenario.

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Pintura

La alegría del juego libre, la alegría de deshacerse de todos los pensamientos y ganar placer sensorial, esta es quizás la Lo más importante en la pintura de esta época. Perfecta ejecución, porque satisface y deleita directamente la vista sin la ayuda de la razón. Gracias a la elegancia única de la pintura rococó, mucho antes de que se formara el concepto de "arte por el arte", vimos que un arte necesitaba ser evaluado por su arte en sí mismo y no por su contenido.

Esta alegría se expresa de manera más perfecta en las nuevas pinturas de Hua Tuo, que le valieron el título de "Maestro de las celebraciones románticas", creado especialmente para él por la academia. Entre sus principales obras se encuentra “La Isla de Xitai”, que es una isla griega donde se adora a Afrodita, la diosa del amor. Era como una actuación de otro mundo en una fiesta en el jardín, como era habitual en los palacios nobles de la época. Frente a la brillante perspectiva de Love Island, la procesión de amantes se mueve en un color cálido y saturado, permitiendo que el hombre y la naturaleza se encuentren más allá de los contornos brumosos y se embarquen en un barco dorado con un pequeño Cupido flotando alrededor y una vela rosa roja. Los hombres son atentos y elegantes, las mujeres visten vestidos de seda y se comportan con elegancia, así como las encantadoras expresiones de cortejo, reserva y obediencia, todo lo cual le da al paisaje circundante una sensación tranquila y poética, alejada del bullicio. , permitiéndote experimentar los sentimientos más tiernos de las personas. Este es un mundo de elegancia que nada tiene que ver con la realidad de la corte. El artista no quiere ocultárselo al público. Porque así como los actores en su pantalla eran figuras ideales de la sociedad de la época, el paisaje es un paraíso con el que sólo se puede soñar, ya que las formas naturales pierden su autenticidad en colores cálidos y brillantes y se convierten en meras estructuras pictóricas.

Medio siglo después, como sabía Hua Tuo, en Fragonard, este poema de amor que nunca pudo ser cantado se convirtió en un simple juego de amor. La Dama del Columpio, supuestamente la amante de un barón rico, representa un papel común desempeñado por las mujeres en el siglo XVIII: una pastora pequeña y coqueta a dúo con su amante amoroso. Un escenario fantástico de un parque, tan irreal como un decorado en tonos claros, es donde se desarrolla este idilio que desprende un aire de juego inocente pero no exento de emoción. La dama es del tipo infantil y maduro, el tipo preconizado por el estilo rococó. Se le da bien utilizar su inteligente inocencia para lograr sus objetivos. Aquí, el columpio la libera de enredos inmediatos y la impulsa a ejercer toda su coquetería. Dejó que su amplia falda bailara descuidadamente, dándole a su amante una vista encantadora.

Aún no está claro: ¿quién es el zapato que se balancea felizmente en el aire? ¿Es esta persona o la estatua del pequeño cupido? Al fondo hay un tercer actor empujando el columpio. Entonces, ¿participa en el triángulo amoroso?

Sin embargo, el estilo rococó desenfadado y a menudo frívolo no sólo fue admirado y reconocido en la pintura, sino que también despertó críticas en la sociedad. Tal fue el caso del inglés William Hogarth. Atacó la inmoralidad de su época en una serie de caricaturas satíricas y condenatorias. Son populares entre el público, no por sus objetivos de crítica social y educación moral, sino por la realidad y el humor de sus expresiones. Por lo tanto, este tipo de protesta no tiene ningún efecto sobre las personas y las cosas involucradas. Sólo la revolución puede juzgar este tipo de condena.

Mirando el arte rococó del siglo XVIII desde una perspectiva moderna, cabe decir que Madame Pompadour era la representante y organizadora de quienes gustaban del estilo lujoso, y tenía las características de "apoyo popular". Por tanto, no fue hasta la aparición de las obras de estilo rococó que la moda "* * *" se despertó entre la nobleza. También se puede decir que la defensa de una atmósfera hermosa por parte de los nobles inspiró el arte rococó. En aquella época, los hombres y mujeres de la clase alta se entusiasmaban y participaban personalmente en las actividades artesanales, de modo que algunos de estos comportamientos llegaban al punto de ser ridiculizados. y ridículo. En el siglo XVI, el embajador español se sorprendió cuando el rey Carlos IX de los reyes caídos Valois prometió darle al rey español un arma de su propia fabricación. En el siglo XVIII, María, la esposa de Luis XVI, se quejaba todo el día de que su marido estaba inmerso en su taller y ni siquiera tenía tiempo para cuidar de su esposa. Luis XVI se dedicó a estudiar los misterios de los relojes y las cerraduras en su taller. En ambos casos parecemos vislumbrar figuras trágicas cuyos roles son incompatibles. Estas personas encuentran en el trabajo manual un refugio para calmarse. Pero esto fue una señal siniestra para el emperador, a quien no le importaban los asuntos nacionales.

El estilo rococó caprichoso y siempre cambiante que estaba de moda terminó con la muerte de Madame Pompadour y fue reemplazado por el estilo neoclásico defendido por Madame Du Barry, otra amante del ismo Luis XV. Pero el brillo del estilo rococó tiene su propia vitalidad que trasciende los tiempos. La gente moderna lo reconoce como el preludio del movimiento Art Nouveau del siglo XIX. Y esas obras de arte supervivientes todavía brillan intensamente y le cuentan a la gente sobre la moda de esa época e historias que la gente no conoce.

Pintura Rococó Francesa

Las pinturas de estilo rococó se basan en la vida hedonista de hombres y mujeres de clase alta, representando mujeres desnudas o semidesnudas y decoraciones exquisitas y bellísimas, acompañadas de celestiales Paisajes naturales o cosas exóticas (como Venecia, Roma) (girasoles, maíz, etc.). ). Por un lado, es inevitablemente llamativo, pretencioso y carece de sensación de poder divino; por otro lado, libera completamente la imagen de temas religiosos y tiene una ligereza y elegancia francesas; Escenas de placer, intimidad, comodidad, lujo sustituyeron al doloroso martirio de los santos.

Pintores famosos como:

A. Watteau (1684 ~ 1721), el pintor de la corte de la época de Luis XV, tiene escenas de vida oníricas que hacen que la gente anhele y se sienta feliz. . Las damas y los caballeros están haciendo un picnic en el bosque y los personajes tienen expresiones elegantes. Su estilo de pintura de género es el llamado "Picnic" y se le conoce como "Mozart en la pintura". Entre sus obras representativas se encuentran "Peregrinación a Sicilia" (1717, Museo del Louvre de París) y "Joker" (hacia 1718, Museo del Louvre de París).

Boucher (1703 ~ 1770) era bueno pintando con temas "pastorales" y "míticos", llenos de gusto aristocrático. Fue el pintor principal del rey escudero y profesor de pintura de Madame de Pompadour (la amante de Luis XV). Las obras representativas incluyen "Diana en el baño" (1742, Museo del Louvre en París), "Esclava de pelo castaño" (alrededor de 1743, Museo del Louvre en París) y "Madame de Pompadour" (1756, Museo de Pintura Antigua en Munich).

J.H. Fragona (1732 ~ 1806), disfrutaba de la magnífica vida de salón, principalmente pintada con estilo contemporáneo, y utilizaba pinceladas enérgicas para expresar cuadros atractivos, líricos y elegantes, como "Niña leyendo" (1776). , Galería Nacional de Arte, Washington) "Niña leyendo".

Chardin (J.B.S. Chardin, 1699 ~ 1779) comenzó con naturalezas muertas y se extendió a retratos y escenas aristocráticas no palaciegas. Sólo transmitía la felicidad simple y contenida de la gente común y era bueno representándola con contemplación. y colores sencillos. Pinturas de género con temática de la vida ciudadana.

Bodegones de cocina representativos "Bagre" (1728, Museo del Louvre, París) y "Regreso del mercado" (1739, Museo del Louvre, París).

Otros:

François-François Boucher.

Jean Antoine Jean Antoine Watteau.

Jean-Renoir-Fragonna (Jean-Honoré Fragonard)

Sir Joshua Reynolds fundó la Escuela "Joseph" Sir Joshua Reynolds de la Real Academia de las Artes”.

Thomas Gainsborough "Escuela de Kingsborough"

G. Romney

Pintura británica

Hasta el año 18 Recién en el siglo XIX la pintura británica con Aparece un estilo nacional único. Aunque también se adoptó el estilo rococó, no se tuvieron en cuenta las necesidades de la nobleza. Ya sean pinturas de género, retratos o pinturas de paisajes, pueden reflejar la vida real y los pensamientos y sentimientos nacionales de los británicos.

Pintores famosos incluyen:

El pintor popular W. Hogarth (1697 ~ 1764) absorbió el uso natural de los colores en el arte rococó y fue bueno en el uso de técnicas de pintura casi irónicas, una profunda. y dolorosa identificación de las carencias de la época. Su obra representativa es "Popular Marriage: Married" (1743 ~ 45, National Gallery, Londres). "The Shrimp Catcher" (1745, National Gallery, Londres) representa a una niña delgada y pobre con una personalidad alegre y enérgica, rompiendo el estilo tradicional del retrato que expresa un temperamento solemne y noble. Su obra teórica "El análisis de la belleza" explica que las curvas son las líneas más bellas y utiliza muchos ejemplos para ilustrar la aplicación de la ley del cambio y la unidad en el arte.

Sir J. Reynolds (1723 ~ 92) imitó la esencia de los maestros del clasicismo italiano y se preocupó por temas nobles como la "pintura histórica". Los personajes de sus obras son nobles y conmovedores, pero no prestan atención a la textura. Además de los retratos de personas, también me interesan los cuentos de hadas y los episodios históricos antiguos. Fundó la Real Academia de Bellas Artes en 1768, exigiendo a los artistas que crearan cuerpos humanos ideales que expresaran principios elevados y belleza pura, al igual que Grecia y Roma. Las obras representativas incluyen "El Noble Augusto" (1753 ~ 54), "Nelly Urban" (retrato de una modelo, 1760 ~ 62, Colección Wallace, Londres) y "Su Majestad" (1788-89, palacio del Louvre, París).

Influenciado por Van Dyke, T. T. Gainsborough (1727~88 ~ 88) tiene expresiones pictóricas poco convencionales y habilidades maduras para el color y la textura de la piel, que es mejor que Reynolds. Además de pintar retratos, me interesan especialmente los cuadros de paisajes. Entre sus obras representativas se incluyen "Mr. and Mrs. Andrews" (1750, National Gallery, Londres) y "Mary, Duchess of Howe" (1760, Iveco Best Kenwood).

Italia

G tiepolo (1696 ~ 1770) es el pintor representante más destacado de la escuela veneciana del siglo XVIII. Su característica es que heredó los colores brillantes y los efectos suaves de la misma. Tiziano y George, el mayor encanto de sus obras es que los personajes están llenos de talento británico y colores brillantes. También fue el muralista, grabador y caricaturista más destacado. Fue invitado a varios países europeos para realizar murales para las familias reales de la época. La obra más famosa es el mural del techo (techo) en Fisberg, Alemania, que encarna plenamente la belleza, elegancia y facilidad del arte rococó La Virgen y el jilguero bebé (1760, Galería Nacional de Arte, Washington) también tiene el mismo estilo. .

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Moda y Mobiliario

La moda barroca, en contraste con el rigor geométrico del manierismo y la moda española, estuvo profundamente influenciada por una vibrante Sentido de vida. Influencia, lo mismo ocurre con la arquitectura y las artes plásticas. Los cuellos plisados ​​en forma de rueda del pasado, que contrastaban marcadamente con los cuellos planos o acolchados, ahora colgaban sin almidón y luego fueron simplemente reemplazados por encaje que colgaba plano sobre los hombros. El sombrero tiene ala ancha y se puede hacer ancho, alto u oblicuo según el temperamento de cada persona, y el cabello se puede extender libremente. Si te falta pelo natural, puedes utilizar una peluca. Desde Luis VIII, especialmente en Francia, las pelucas se han convertido en el elemento más impresionante. Ese tipo de vacaciones largas son esponjosas y rizadas en la parte superior de la cabeza, y luego se dividen en dos alas que cuelgan hasta los hombros y el pecho.

Los hombres todavía usan blusas con dobladillos sueltos, que también pueden coserse cerca de la cintura. Las mangas son puños de encaje, o mangas cortas que miden solo tres cuartos del largo del brazo, dejando al descubierto la blusa con encaje debajo. Los pantalones colgaban sueltos en el bolso y colgaban de los calcetines, que estaban atados con cintas de rosas.

Hacia 1675 apareció el traje de tres piezas para hombre, que sigue siendo popular hoy en día. El abrigo evolucionó hasta convertirse en un chaleco hasta la rodilla, que se llevaba sobre una chaqueta cosida cerca de la cintura. Los pantalones eran pantalones cortos hasta la rodilla, seguidos de medias y zapatos con botones.

La vestimenta femenina barroca abandonó el rigor geométrico de la falda de campana española pero conservó las caderas anchas y el corsé. Sobre una enagua de diferentes colores, use una falda larga en forma de campana, generalmente plisada en la parte delantera y larga en la espalda. La ropa de mujer rococó se volvió coqueta, con volantes, volantes, encajes casuales y enaguas levantadas. Un anillo de ballena en forma de cúpula reemplaza la antigua falda en forma de campana, creando el efecto de silueta típico de las mujeres del Barroco tardío. Desde la falda demasiado voluminosa hasta los hombros delgados y la cabeza imponente, toda la persona presenta una forma cónica.

Los muebles de la época barroca añadían sofás cama, escritorios, mesas de pared, cómodas (mejoras de cómodas más antiguas) y sillones tapizados. Como todos los muebles de la época, el sillón tapizado es estable y pesado, con un respaldo reclinado y tirantes en forma de X o H entre patas acanaladas talladas (ya no giradas en círculo). A los ciudadanos les gustaba utilizar madera natural (madera maciza o chapada) para sus muebles barrocos, mientras que los muebles aristocráticos a menudo requerían un baño de oro, que era muy lujoso.

Los muebles rococó partieron de un nuevo concepto de su forma decorativa, que se caracterizó por el desarrollo de la sección transversal desde el arco hasta el arco plano. Las esquinas redondeadas, los bordes biselados y las líneas finas e imaginativas hacen que los muebles parezcan menos voluminosos. Las distintas partes rompen con las divisiones estructurales que siempre han seguido y se combinan en un todo vivo. Las rígidas patas de la barandilla evolucionaron hasta convertirse en "patas de ciervo". Los paneles tienen incrustaciones de láminas de cobre dorado y tallas de maderas nobles de diferentes colores como arce, caoba, ébano y palo de rosa. Con el fin de la era Luis XV, este estilo de mobiliario tan hermoso y popular llegó a su fin.

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Construcción

La apariencia de la arquitectura rococó se contenta con un diseño rítmico, materiales de construcción naturales o una paleta de colores simple, mientras que la La decoración interior es colorida y diversa. La característica más importante es el pensamiento hedonista de la vida, que es la etapa de disfrute secular de la vida, que se refleja principalmente en los palacios construidos por los nobles reales para ellos mismos.

Comparación entre la arquitectura barroca y la arquitectura rococó: La primera se centra en el ritmo, la cantidad, el espacio y la rica y variada tridimensionalidad de las líneas, que tiene el efecto de la pintura. Basado en el primero, el segundo presta más atención a la belleza formal de la pared, cubriéndola con curvas complejas y pinturas decorativas, e incluso utilizando espejos o candelabros para enriquecer el espacio interior. También le gusta utilizar productos importados (como. Porcelana china, lacas japonesas, lacas orientales, etc.) sedas y tapices, joyas africanas, lámparas de araña italianas, etc.) para decorar el interior. ).

La decoración de interiores suele basarse en el blanco, con flores, tallos de hierba, palmeras, olas, espuma o conchas como patrones decorativos, aportando un interés inusualmente delicado y vivo, pero destruyendo el estilo arquitectónico. de equilibrio, solemnidad y estabilidad, especialmente los colores deslumbrantes como el dorado, el blanco, el verde claro y el rosa, son aún más deslumbrantes. Este estilo engorroso y artificial es verdaderamente el pináculo del arte decorativo.

Obras representativas: G. Beaufort (1667 ~ 1754), Maison Subic, París (1736-9, como el Salón de la Princesa en su interior). El Kaiser Saar (1749 ~ 1754) en Würzburg, Alemania es una obra representativa de los arquitectos B. Neumann (1687 ~ 1745) y Tiepolo (G.).

Obras representativas

Boffrand (G. Boffrand, 1667 ~ 1754), Casa en Soubize, París (1736-9, como se muestra en el Salón de la Princesa en el interior)

Residencia Kaisersar, Würzburg, Alemania (1749 ~ 1754) fue construida bajo el bajo la dirección del arquitecto B. Neumann (1687 ~ 1745), y el Tiepolo (Palacio de G. Dinamarca) también es un edificio rococó estándar.