Conocimientos básicos del arte.
1. El espacio tridimensional.
Se refiere al espacio tridimensional compuesto por longitud (izquierda y derecha), altura (arriba y abajo) y profundidad (profundidad). En pintura, para reproducir fielmente el objeto, es necesario expresar el sentido tridimensional y la profundidad del espacio tridimensional en el plano.
2. Sentido de la cantidad. Utilice luces y sombras, colores, líneas y otros factores de modelado para expresar las sensaciones de peso, grosor, tamaño y cantidad de objetos.
Como la majestuosidad de las rocas y la ligereza del viento y el humo. Todos los objetos realistas en las pinturas deben transmitir el peso y el realismo únicos del objeto.
Utilizar la relación contrastante de cantidad puede producir efectos diversos y unificados. 3. Sentido del espacio.
En la pintura, basándose en los principios de la perspectiva geométrica y la perspectiva aérea, se representan la distancia, las capas, la interpenetración y otras relaciones entre los objetos, transmitiendo así una profunda sensación tridimensional del espacio en la pintura plana. 4. Sensación de volumen.
Significa que los objetos visuales mostrados en el plano de la pintura pueden dar a las personas una sensación tridimensional al ocupar un espacio tridimensional. En pintura, cualquier objeto visible está determinado por la estructura del propio objeto, formada por bloques de diferentes orientaciones y ángulos.
Por tanto, es necesario captar las características estructurales del objeto pintado y analizar su relación adecuada en la pintura para conseguir una sensación de volumen. Ampliar información sobre los orígenes del arte. Cuando la palabra "arte" se utilizó por primera vez en Europa en el siglo XVII, generalmente se refería a actividades con significado estético.
Y sus productos, como pintura, escultura, arquitectura, literatura, música, danza, etc. Algunas personas creen que la palabra "arte" debería aparecer oficialmente a mediados del siglo XVIII.
Después de la Revolución Industrial en el siglo XVIII, el ámbito de las bellas artes se amplió para incluir pintura, escultura, artes y oficios, arte arquitectónico, etc. En Oriente también se utilizan la caligrafía y el corte de sellos. El término comenzó a ser ampliamente utilizado en China en torno al Movimiento del Cuatro de Mayo.
En las últimas décadas, los países europeos y americanos no han utilizado mucho la palabra "arte" y, a menudo, la utilizan para controlar. Herramientas y materiales La pintura al óleo se realiza utilizando pintura al óleo sobre tela, madera o cartón grueso.
Pintura en la que se mezcla un óleo (aceite de linaza, aceite de nuez, etc.) con pigmento y se trabaja sobre lino, cartón o madera. Los pintores al óleo tradicionales pintan utilizando una perspectiva enfocada.
En la composición de la imagen, prestamos atención a la riqueza de los paisajes de la imagen, llenamos la imagen en un orden natural y presentamos el verdadero estado de la naturaleza. Referencias:
Enciclopedia Baidu-Art.
2. Conocimientos básicos del arte
El arte generalmente se refiere a la pintura, la escultura, las artes y oficios, el arte arquitectónico, etc. Se realizan en el espacio, expresan y apelan a la visión humana.
Cuando este nombre comenzó a usarse en Europa en el siglo XVII, generalmente se refería a cosas con significado estético como pinturas, esculturas, literatura y música. Cuando comencé a usar esta palabra comúnmente en torno al Movimiento del 4 de Mayo, también tenía un significado equivalente a todo el arte.
Por ejemplo, cuando Lu Xun explicó la palabra "arte" en 1913, escribió: "El arte es una palabra... se traduce del inglés amor. Las personas que aman las nubes son originarias de Grecia y su amistad es el arte.
Pronto, nuestro país utilizó la palabra "arte". para traducir la palabra "amor" se ha convertido en un nombre que se refiere específicamente a las artes visuales como la pintura. Expresión plástica significa: las técnicas y medios de creación de imágenes artísticas en las artes plásticas. se basa en el color, la luz y la sombra, las líneas, la anatomía y la perspectiva; la escultura se basa en la cantidad y la estructura. Estas técnicas y medios, a través de una práctica artística de larga duración, forman el lenguaje artístico único y especial de estas artes plásticas. diferentes reglas de expresión de estas artes, y están relacionadas con el éxito o fracaso de la imagen de las artes plásticas y el atractivo de las obras artísticas.
La continua exploración y mejora por parte del artista de la regularidad de los métodos de expresión modelados. condición necesaria para que la creación artística exprese el nuevo contenido de la vida y satisfaga las preferencias estéticas en evolución de las personas. La sección áurea también se conoce como regla áurea y proporción áurea.
En un segmento de línea, divida el segmento de línea en. segmentos largos y cortos según la relación de aspecto óptima, o forman un rectángulo según la relación de aspecto óptima. Yubi es la sección áurea
Se refiere al espacio plano compuesto de longitud (izquierda y derecha) y altura. (arriba y abajo), a menudo usamos perspectiva, luces y sombras y otros métodos de modelado para crear una sensación profunda y un efecto tridimensional de los objetos en el plano del segundo espacio, es decir, usar el segundo espacio para. crear la ilusión de un espacio tridimensional de objetos naturales.
Algunas pinturas, como las pinturas decorativas y las pinturas con motivos, no requieren un fuerte efecto de profundidad, sino que persiguen deliberadamente el significado plano del segundo espacio para obtener expresión artística. Terminología estereoscópica.
Se refiere al espacio tridimensional compuesto por longitud (izquierda y derecha), altura (arriba y abajo) y profundidad (profundidad). En pintura, para reproducir fielmente el objeto, es necesario expresar el sentido tridimensional y la profundidad del espacio tridimensional en el plano.
La pintura de texturas, la escultura y otras artes plásticas utilizan diferentes técnicas de expresión para expresar las características de diversos objetos en sus obras, como la seda, el cuero, el agua, la piedra y otras características cualitativas diferentes, dando a las personas una sensación de Realidad y Belleza. Con la ayuda de factores de modelado como la luz y la sombra, el color y las líneas, la sensación de volumen expresa la sensación del peso, grosor, tamaño y cantidad de un objeto.
Como la majestuosidad de las rocas y la ligereza del viento y el humo. Todos los objetos realistas en las pinturas deben transmitir el peso y el realismo únicos del objeto.
Utilizar la relación contrastante de cantidad puede producir efectos diversos y unificados. En la pintura, basada en los principios de la perspectiva geométrica y la perspectiva aérea, la sensación del espacio representa la distancia, la capa, la interpenetración y otras relaciones entre los objetos, transmitiendo así una profunda sensación tridimensional en las pinturas planas.
Terminología de pintura en volumen. Significa que los objetos visuales mostrados en el plano de la pintura pueden dar a las personas una sensación tridimensional al ocupar un espacio tridimensional.
En pintura, cualquier objeto visible está determinado por la estructura del propio objeto, formada por bloques con diferentes orientaciones y ángulos. Por tanto, es necesario captar las características estructurales del objeto pintado y analizar su relación adecuada en la pintura para lograr una sensación de volumen.
Terminología teórica de la pintura en perspectiva. La palabra perspectiva proviene del latín perspclre.
Al principio, la perspectiva consistía en mirar la escena a través de un plano transparente y dibujar con precisión la escena en este plano, es decir, formar una vista en perspectiva de la escena. Posteriormente, basándose en ciertos principios, la ciencia de utilizar líneas para expresar la posición espacial, el contorno y la proyección de un objeto se denominó perspectiva.
Terminología de claroscuro. Se refiere a los cambios de brillo de la luz, la luz de fondo y las partes reflectantes de los objetos en las pinturas y el método de expresión de dichos cambios.
Un objeto tiene tres estados de luz y oscuridad bajo la luz, que se denominan tres lados principales, a saber, lado luminoso, lado medio y lado oscuro. La luz y el color de las tres superficies principales son generalmente más oscuros en el centro.
La luz y la sombra de las tres superficies principales se expresan generalmente como cinco niveles básicos, es decir, cinco tonos: ① La superficie brillante siempre recibe luz (2) la superficie gris: la superficie intermedia, media luz; y medio oscuro (3) Brillante La línea divisoria entre el lado oscuro y el lado oscuro; (4) la parte de luz de fondo en el lado oscuro ⑤ las partes oscuras y claras de una sola superficie que se ven afectadas por los reflejos circundantes. Describir los objetos según la altura de la luz y la oscuridad siempre ha sido el método básico de la pintura cuadrada.
Durante el Renacimiento, Vasari dijo una vez en "Biografías de artistas": "Al pintar, después de dibujar el contorno, use sombras para distinguir aproximadamente la luz y la oscuridad, y luego muestre cuidadosamente la luz y la oscuridad, brillante en un habitación individual "Rembrandt fue un maestro de las técnicas de sombra entre los pintores europeos.
Término para el arte del modelado de contornos. Se refiere a la línea de borde que define el alcance del objeto de actuación.
En pintura y escultura, el trazo correcto se considera la clave del éxito o fracaso de la obra. Términos de composición y artes plásticas.
Hace referencia al método de configuración estructural de la imagen artística en la obra. Es un medio importante para que las artes plásticas expresen el contenido ideológico de las obras y obtengan atractivo artístico.
Uno de los factores importantes en la pintura en color. Varios objetos absorben y reflejan la luz en diversos grados, lo que afecta al auditorio humano, lo cual es un fenómeno complejo.
Debido a que los objetos tienen diferentes texturas y absorben y reflejan la luz de varios colores en diferentes grados, todo en el mundo tiene colores en constante cambio. La apariencia cualitativa que puede dar un color matiz.
Los diferentes tonos de la naturaleza son infinitamente ricos, como el rojo púrpura, el gris plateado y el amarillo anaranjado. Croma se refiere a la luminosidad inherente del color mismo.
Por ejemplo, entre los siete tonos básicos, el morado es el más oscuro y el amarillo el más claro. El tono también se llama tono.
Bajo la iluminación de una fuente de luz de color con un cierto tono y brillo, la superficie de un objeto queda envuelta en una tendencia de color unificada y una atmósfera de color, que es el tono. El color no tiene propiedades.
Los colores se dividen básicamente en colores cálidos (también llamados colores cálidos) y colores fríos (también llamados colores fríos). El rojo, el naranja y el amarillo son colores cálidos que dan a las personas una sensación de calidez, calidez y extroversión.
3. Conocimientos teóricos básicos de las carreras de arte
¿Sobre qué teoría del arte preguntas? Existen muchos tipos de arte, que se refiere al arte que ocupa un espacio determinado y tiene una imagen visual que se puede apreciar. En general se refiere a las artes plásticas distintas del arte arquitectónico.
El término "arte" apareció por primera vez en Europa en el siglo XVII, y algunas personas creen que apareció oficialmente a mediados del siglo XVIII. En el Japón moderno, los caracteres chinos se tradujeron libremente, se introdujeron en China en torno al Movimiento del 4 de Mayo y comenzaron a utilizarse ampliamente.
También conocido como “arte plástico”. Según su finalidad, se puede dividir en dos categorías: arte puro y artes industriales.
Investigación teórica del arte: investigación principal: introducción al arte, tres componentes principales, investigación de arte chino y extranjero, comunicación de masas, etc. El arte generalmente se refiere a pinturas, esculturas, artes y oficios, artes arquitectónicas, etc., que se realizan en el espacio, expresan y apelan a la visión humana.
Cuando este nombre comenzó a usarse en Europa en el siglo XVII, generalmente se refería a cosas con significado estético como pinturas, esculturas, literatura y música. Cuando la palabra se usó ampliamente en China alrededor del Movimiento del Cuatro de Mayo, también tenía un significado equivalente a todo el arte.
Por ejemplo, al explicar la palabra "arte" en 1913, Lu Xun escribió: "Arte es una palabra... traducida del inglés amor. Las personas que aman las nubes son originarias de Grecia y su amistad es arte.
Pronto, nuestro país utilizó la palabra "arte" para traducir "amor". y "arte". La palabra se convirtió en un nombre que se refiere específicamente a las artes visuales como la pintura. Expresión plástica significa: las técnicas y medios de creación de imágenes artísticas en las artes plásticas.
Por ejemplo, la pintura se basa en el color. la luz y la sombra, las líneas, la anatomía y la perspectiva; la escultura se apoya en el volumen y la estructura. Estas técnicas y medios, a través de una práctica artística de largo plazo, forman el lenguaje artístico único y especial de estas artes plásticas, determinan las diferentes reglas de expresión de estas artes. , y están relacionados con el éxito o fracaso de la imagen de las artes plásticas y el atractivo de las obras artísticas.
La exploración y mejora continua por parte del artista de la regularidad de los métodos de expresión modelados es una condición necesaria para la creación artística. para expresar el contenido de la nueva vida y satisfacer las preferencias estéticas en evolución de las personas. La sección áurea también se llama regla áurea.
En un segmento de línea, divida el segmento de línea en segmentos largos y cortos de acuerdo con el óptimo. relación de aspecto, o formar el lado largo y el lado corto de un rectángulo de acuerdo con la relación de aspecto óptima. La relación óptima es la sección áurea.
Se refiere al espacio plano compuesto por longitud (izquierda y derecha). altura (arriba y abajo) En la pintura, a menudo usamos la perspectiva. Los métodos de sombreado, como la luz y la sombra, crean una sensación profunda y un efecto tridimensional de los objetos en el plano del segundo espacio, que consiste en utilizar el segundo espacio para crear.
En algunas pinturas, como las pinturas decorativas, la pintura de patrones no requiere un fuerte efecto de profundidad, sino que busca deliberadamente el significado plano del segundo espacio. expresión artística.
Se refiere al largo (izquierda y derecha), altura (arriba y abajo), profundidad (profundidad). En la pintura, para reproducir fielmente el objeto, es necesario expresar. el sentido tridimensional y la profundidad del espacio tridimensional en el plano.
Pintura de texturas, escultura y otras artes plásticas, a través de diferentes técnicas de expresión, se expresan en las obras las características de diversos objetos, tales como. como las diferentes características cualitativas de la seda, la cerámica, la cristalería, la piel, el agua, la piedra, etc., dando a las personas una sensación de realidad y belleza con la ayuda de luces y sombras, colores, líneas, etc. Factores de configuración, sensación de volumen. expresa la sensación del peso, grosor, tamaño y cantidad de un objeto.
Por ejemplo, se requiere la majestuosidad de las rocas y la ligereza del viento y el humo para transmitir la singularidad del objeto. y realismo.
Utilizando la relación contrastante de cantidad, se pueden producir varios efectos unificados en la pintura, la sensación de espacio representa la distancia y el nivel entre los objetos basándose en los principios de la perspectiva geométrica y la perspectiva aérea. intercaladas y otras relaciones, transmitiendo así un profundo sentido tridimensional en la pintura plana
Ms211 El uso correcto del conocimiento de la perspectiva puede expresar bien el sentido del espacio
Se refiere al hecho. que los objetos visuales mostrados en el plano de la pintura pueden dar a las personas una sensación tridimensional de ocupar un espacio tridimensional. En pintura, cualquier objeto visible está determinado por la estructura del propio objeto, formada por bloques de diferentes orientaciones y ángulos.
Por tanto, es necesario captar las características estructurales del objeto pintado y analizar su relación adecuada en la pintura para conseguir una sensación de volumen. Terminología teórica de la pintura en perspectiva.
La palabra "perspectiva" proviene del latín "perspclre".
Inicialmente, la perspectiva consistía en mirar la escena a través de un plano transparente y dibujar con precisión la escena en este plano, es decir, formar una vista en perspectiva de la escena.
Más tarde, basándose en ciertos principios, se llamó perspectiva a la ciencia de utilizar líneas para expresar la posición espacial, el contorno y la proyección de un objeto. Terminología de claroscuro.
Se refiere a los cambios de brillo de la luz, el contraluz y las partes reflectantes de los objetos en las pinturas y los métodos de expresión de dichos cambios. Término para el arte de dar forma a un objeto con luz.
Se refiere a la línea de borde que define el alcance del objeto de actuación. En pintura y escultura, los contornos correctos se consideran fundamentales para el éxito de una obra.
Términos de composición y artes plásticas. Se refiere al método de configuración estructural de las imágenes artísticas en las obras.
Es un medio importante para que las artes plásticas expresen el contenido ideológico de las obras y obtengan atractivo artístico. El color es uno de los factores importantes en la pintura.
Diversos objetos absorben y reflejan la luz en distintos grados, lo que afecta al auditorio humano. Es un fenómeno complejo. Debido a que los objetos tienen diferentes texturas y absorben y reflejan la luz de varios colores en distintos grados, todo en el mundo tiene colores en constante cambio.
Los colores que el ojo humano puede reconocer son 654,38+03.000 para hombres y 654,38+08.000 para mujeres. La apariencia cualitativa que puede dar un color matiz.
Los diferentes tonos de la naturaleza son infinitamente ricos, como el rojo púrpura, el gris plateado y el amarillo anaranjado. Croma se refiere a la luminosidad inherente del color mismo.
Por ejemplo, entre los siete tonos básicos, el morado es el más oscuro y el amarillo el más claro. El tono también se llama tono.
Bajo la iluminación de una fuente de luz de color con un cierto tono y brillo, la superficie de un objeto queda envuelta en una tendencia de color unificada y una atmósfera de color, que es el tono. La esencia del color, la relación entre colores fríos y cálidos.
Los colores se dividen básicamente en colores cálidos (también llamados colores calientes) y colores fríos (también llamados colores fríos). El rojo, el naranja y el amarillo son colores cálidos que dan a las personas una sensación cálida, cálida y extrovertida; el verde, el cian, el azul y el morado son colores fríos que dan a las personas una sensación fría, tranquila y encogida.
4. Conocimientos básicos de arte
¡Jaja, tengo la respuesta correcta! !
Jeje, te lo copio.
1. Modelado; pintura; escultura; arquitectura; escultura redonda; ; tejiendo
Tres. China; pintura de paisajes; pintura de flores y pájaros; pintura al óleo; escultura; Pintura; papel; tablero de madera; frotis; fotolitografía; formas claras y oscuras; verbo (abreviatura de verbo) tridimensional; pintura; escultura; arquitectura; diseño artístico
7. Los objetos del mismo tamaño en la imagen son más grandes de cerca y más pequeños de lejos.
8. La posición de los ojos del pintor; la línea horizontal al horizonte.
La cadena montañosa que se ve más claramente; el ángulo entre la línea de visión de un objeto y el horizonte aparente.
El ángulo de visión donde la línea de visión es más alta que el objeto que se observa; la perspectiva de la pintura en un ángulo de 90 grados con respecto a la imagen; el objeto que se observa.
Perspectiva paralela: un lado del objeto es paralelo a la imagen y el otro lado forma un ángulo de 90 grados con respecto a la imagen.
Perspectiva angular: Ambos lados de un objeto no son paralelos a la imagen.
X. Tonos puros y brillantes
11. Patrones y colores decorativos en objetos, formas, colores, decoraciones, etc. Vasos
Doce. Superficie plana, impresión y teñido; bronce, encuadernación de marcas; modelado industrial; Textura; gráfico
Para las preguntas 14 y 15, consulte el artículo en línea.
PD: Desprecia a los profesores de arte pervertidos
5. Cierto conocimiento sobre arte
Las habilidades para dibujar son un signo de un pintor maduro. El boceto dinámico del cuerpo humano no sólo requiere que el pintor tenga una alta capacidad de modelado y una conciencia general, sino que también requiere que el pintor tenga habilidades sensoriales agudas y experiencia en el uso hábil del conocimiento anatómico. Pero no se puede decir que el aprendizaje del dibujo dinámico deba realizarse después de completar la formación básica. Por el contrario, mientras practicas el boceto básico, también debes practicar el boceto dinámico. En Europa, el dibujo de figuras se considera el principal método de formación en modelismo. Hoy en día, algunos lugares de China han desempeñado un papel muy bueno en el cultivo de la capacidad de dibujar personajes desde una edad temprana. El boceto dinámico es muy diferente al boceto estático. No se puede capturar un objeto mediante observación repetida, ni se puede expresar de manera preparada.
El boceto dinámico se basa en la "selección" dinámica del movimiento del objeto, así como en la sensación y la memoria del movimiento seleccionado. La "selección" es una técnica única de dibujo dinámico. La selección se refiere a la elección específica que hace el artista de los movimientos instantáneos de los objetos en movimiento, es decir, cuando el dibujante se enfrenta a objetos y personajes que se mueven libremente, selecciona los movimientos instantáneos más significativos de una serie de movimientos de los objetos. La selección de acciones de boceto dinámico debe cumplir dos condiciones: una es que la acción seleccionada debe ser "modelada"; la otra es que el movimiento debe ser estético. Por ejemplo, cuando elegimos la acción de carrera de una persona, debemos elegir la dinámica que mejor refleje la velocidad, la fuerza y la flexibilidad, es decir, la dinámica con la mayor extensión de piernas y el mayor movimiento de brazos. Si eliges la animación cuando las manos y los pies se superponen, el efecto del dibujo será como caminar en lugar de correr. También son importantes los sentimientos y recuerdos de la dinámica elegida, este es un proceso de una sola vez, a diferencia del boceto, que se puede repetir muchas veces. Este recuerdo único debe ser receptivo. Si perdemos la memoria receptiva, las acciones que dibujamos pueden volverse formuladas y conceptuales. Sólo confiando en la particularidad del sentimiento de movimientos específicos, complementado con el conocimiento de la anatomía humana, podemos dibujar obras como correr salvajemente o correr tranquilamente para evitar similitudes. En la práctica, es inimaginable que podamos completar un boceto dinámico específico simplemente mediante una observación momentánea. Debemos confiar en la experiencia general y el conocimiento relevante de esta acción específica para recordarla y complementarla para completar el trabajo por completo. Para lograr los requisitos anteriores en el entrenamiento de bocetos dinámicos, uno debe aprender a "captar" y expresar "líneas dinámicas". Las líneas dinámicas son las líneas principales que expresan las características del movimiento en el cuerpo humano. Las líneas dinámicas generalmente se expresan en la relación entre cambios de gran volumen en el movimiento humano. Cuando la figura está de lado, las líneas dinámicas tienden a reflejarse en un lado del contorno exterior; cuando la figura está de frente, las líneas dinámicas resaltarán los cambios en la columna y las extremidades. Para dibujar bocetos dinámicos, es muy importante captar las líneas dinámicas. ¿Cómo dibujar líneas dinámicas? Preste atención a los siguientes aspectos: (1) Las líneas dinámicas son causadas por cambios en los movimientos del cuerpo humano y son la parte más obvia de la apariencia de la ropa. (2) Al dibujar líneas en movimiento, agarre la parte grande, capte el impulso clave y preste atención al centro de gravedad. (3) Las líneas dinámicas son líneas muy simples y el número de líneas dinámicas debe determinarse de acuerdo con la complejidad de la acción. En cada acción sólo existe una línea dinámica principal, y las demás son líneas dinámicas auxiliares. (4) Capte la relación estructural de partes clave del cuerpo humano, como cabeza y hombros, brazos y tronco, pelvis y piernas, articulaciones del muslo y la pantorrilla, articulaciones de la pantorrilla y el pie, etc. Los pasos del dibujo son los siguientes: (1 ) Observar atentamente los objetos dinámicos, seleccionar la dinámica típica, concentrarse en ellos y sentir plenamente las características dinámicas. (2) Dibuje rápidamente la línea dinámica principal y la línea auxiliar dinámica. (3) Dibujar relaciones de volumen mediante observación o memoria. (4) Dibuje rápidamente líneas de ropa que muestren tendencias dinámicas. (5) Utilice conocimientos de observación y anatomía para completar los detalles. (6) Ajustar el ritmo formal de acuerdo con los requisitos de la estructura de la imagen. (7) La cabeza está completa. Como principiante, puede resultar difícil empezar a dibujar bocetos en movimiento. Cuando los principiantes comienzan a dibujar bocetos dinámicos, pueden elegir objetos dinámicos repetitivos para practicar, como sierras, palas, etc. , y luego esperar hasta que hayan acumulado experiencia en habilidades antes de realizar ejercicios dinámicos como danza y deportes. Dynamic Sketching es un curso de formación que requiere un gran esfuerzo y profesionalidad. Sólo a través de años de duro e incansable entrenamiento se pueden dominar las duras habilidades del dibujo dinámico y sentar una base sólida para crear excelentes obras de arte en el futuro. Una técnica de dibujo dinámica y madura es señal de un pintor maduro.
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6. ¿Cuáles son los conocimientos básicos de arte en la escuela primaria?
Aprende los fundamentos de la estética. Primera parte: conceptos básicos. 1. La pincelada china a mano alzada presta atención al uso de pluma y tinta. Los usos del bolígrafo incluyen (dejar el bolígrafo), (escribir bolígrafo) y (recibir bolígrafo). El uso de tinta incluye cambios en el color de la tinta (matiz) y (húmeda y seca).
2. Las técnicas básicas de la pintura tradicional china son (gancho), (gancho), (punto) y (tinte). 3. La belleza del color en la pintura se refiere a la belleza en (unidad) y (cambio).
4. La diferencia de color es grande (fuerte contraste). Dentro de la rueda de colores, el rango es de 150 a 180 grados, la diferencia de color es pequeña (contraste débil) y el rango dentro de la rueda de colores está por debajo de 60 grados.
5. Las clases de arte se pueden dividir en (clases de pintura, clases de artesanía, clases de apreciación). Las clases de artesanía a menudo utilizan métodos de corte, tallado, excavación, pegado y unión. 6. La regla básica de la perspectiva es (grande de cerca, pequeña de lejos), que se puede dividir en (perspectiva angular y perspectiva paralela).
La perspectiva angular se refiere al ángulo del objeto con respecto al pintor, mientras que la perspectiva paralela se refiere al lado del objeto con respecto al pintor.
7. Si quieres dibujar bien los personajes, necesitas comprender (las proporciones aproximadas, la estructura y los patrones dinámicos del cuerpo humano) y también debes confiar en (la memoria y la comprensión de las imágenes). . 8. Elegir una imagen u objeto adecuado como contenido de la imagen se denomina composición (encuadre) o (diseño o ubicación comercial). Preste atención a la organización estructural (posición, espacio, color de línea) de los objetos en la imagen. )
9. El corte de papel se caracteriza por diversas formas, simplicidad, rico contenido y fuertes propiedades decorativas. ) Sus pasos son (dibujar, fijar, grabar, taladrar, cortar, pegar) 10. Los tres colores primarios significan (rojo, amarillo, azul).
Los tres colores son naranja, verde y morado. 11. El naranja se compone de (rojo) y (amarillo), el verde se compone de (amarillo) y (azul) y el morado se compone de (rojo) y (azul). 12. Los tres elementos del color se refieren al brillo, pureza y matiz del color.
13. Los colores fríos se refieren a (colores como el azul y el verde que dan a las personas una sensación de frío), mientras que los colores cálidos se refieren a (colores como el rojo y el naranja que dan a las personas una sensación de calidez). 14. La pintura china se puede dividir en (pincelada meticulosa y pincelada a mano alzada) en términos de técnicas de expresión, y se puede dividir en (pintura de paisajes, pintura de flores y pájaros y pintura de figuras) en términos de contenido de expresión.
15. Cualquier objeto se puede resumir en cuatro formas básicas (cubo, cilindro, cono y esfera). 16. Los tonos básicos del boceto son (tres superficies principales y cinco tonos), y las tres superficies principales se refieren a (superficie receptora de luz, superficie de retroiluminación y superficie reflectante).
Los cinco tonos hacen referencia al lado claro, al lado gris, al límite claro y oscuro, al lado oscuro y al reflejo. 17. La caligrafía artística se puede dividir en tres tipos (estilo canción, estilo negrita, estilo variante).
La caligrafía negra es cuadrada o rectangular, con trazos gruesos y aproximadamente del mismo grosor. 18. Un patrón único se refiere a un patrón que no tiene nada que ver con su entorno y es la unidad básica del patrón.
El patrón que está conectado a la izquierda, a la derecha y a la parte superior se llama patrón continuo cuadrilátero. 19. El patrón de cuerno es un patrón decorativo que se puede dividir en dos tipos: (simetría) y (equilibrio).
20. Los fractales dispuestos repetidamente de manera ordenada se denominan repeticiones con belleza ordenada. 21. Un gradiente ordenado de formas se llama gradiente.
22. Se llama simetría a la simetría, la belleza de la regularidad, la pulcritud y la estabilidad. Los adultos miden 7,5 cabezas y los adolescentes 6 cabezas.
"Tres Tribunales y Cinco Ojos" se refiere a dividir la longitud del rostro de un personaje en tres partes, a saber, el tribunal superior (desde la línea del cabello hasta las cejas), el tribunal medio (desde las cejas hasta la punta). de la nariz) y el corte inferior (desde la punta de la nariz hasta la mandíbula inferior). El pintor que es bueno pintando caballos es (Xu Beihong), el pintor que es bueno pintando camarones es (Qi Baishi) y el pintor que es bueno pintando bambúes es (Zheng Banqiao).
26. Métodos de pintura de paisaje: Los métodos de organización de la pintura de paisaje incluyen vistas cercanas y lejanas, que pueden formar espacios de observación únicos. Los primeros planos se pueden representar específicamente mediante métodos de uniformidad, color y tinción. El primer plano se puede dibujar, dibujar o pintar mediante renderizado.
Los pasos de la pintura de paisaje son preparar la composición y luego dibujar el primer plano o paisaje principal. Luego dibuje una vista lejana o realce el paisaje y, finalmente, use tinta espesa o color para puntear el musgo y organizarlo con énfasis.
7. Conocimientos básicos de arte y pintura
Es posible que sea necesario buscar en línea conocimientos como la historia del desarrollo de la pintura. De hecho, la historia del desarrollo de la pintura es probablemente un proceso de desarrollo. Puedo ayudarte a aprender lo básico. Jaja, lamento no decir mucho~ ~
De hecho, el color es tan simple como pintar. No tanto como dibujar. De hecho, los colores pueden ser muy atrevidos y sutiles. Puede hacer que una parte sea emocionante, ya sea el todo o una parte. Si no hay problemas con la composición y el tono, puede considerarse un buen color. Hay algunos tabúes sobre el color: 1. Demasiado parcial, demasiado particular y sólo ignora los detalles. Este es un error de "flor"
2. El color es demasiado apagado y la salsa está descuidada. Después de leer el cuadro, me quedé sin aliento. La razón por la que cometí tal error fue principalmente porque el lugar que debía iluminarse no estaba iluminado, así que cometí un error "aburrido".
3. Se transfiere demasiado blanco a la pantalla. Es ingenuo pensar que las partes brillantes solo necesitan transferirse al blanco y las partes oscuras saltarán al negro. La parte brillante se puede ajustar al amarillo limón, color carne, etc. Ajuste el color según el tono apropiado, cometiendo así el problema del "rosa".
4. Después de elegir el color del cuadro de mezcla de colores, dibújelo directamente en la pantalla, lo que hará que el color "viva".
La perspectiva es más simple, lo cercano es grande y lo lejano es pequeño, lo cercano es real pero lo lejano es virtual.
En pocas palabras, crear una pintura es como mirar imágenes y escribir una composición. La única diferencia es que nosotros te damos el texto y te dejamos dibujarlo.